Músicas, Curiosidades, Divertimento

Van Halen - Balance (1995)

2008-08-05T09:56:00.000-07:00

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The Seventh Seal, o mantra que introduz essa música foi executado pelos monges do Monastério de Gyoto. Essa introdução veio do disco dos monges de 1987 (The Gyoto Monks Tibetan Tantric Choir). Segundo o EVH e o produtor Bruce Fairbain, o disco Balance deveria marcar o retorno do Van Halen aos seus elementos básicos que o tornaram famosos, em especial ao inconfundível timbre de guitarra do Edward Van Halen. Nessa música, é possível ouvir o famoso MXR Flanger que o EVH usou em seus primeiros discos do =VH=. Fora isso, esse disco marca o retorno do “Baby” Marshall Super Lead 100 Watts do EVH aos discos do Van Halen, vez que ele esteve encostado durante grande parte da gravação do disco anterior da banda (F.U.C.K.).

Can't Stop Lovin' You, com mais da metade do disco gravado, o produtor Bruce Fairbain pergunta ao EVH se ele não possuía alguma música um pouco mais leve e “pop”, vez que o disco possuía um clima pesado até aquele momento. O EVH respondeu que não, mas pediu o fim de semana para criar algo. O Bruce morava no Canadá e procurava passar o fim de semana com a família. Na 2ª feira seguinte, o EVH apareceu com essa música e o Bruce gostou. O EVH usa uma guitarra EBMM (Ernie Ball Music Man) com captação piezo, o que dá aquela idéia de guitarra elétrica e violão, ao mesmo tempo. O EVH diz que gravou usando um amplificador muito antigo da Fender. Um detalhe curioso é a menção do nome “Ray”, quase no final da música. O Sammy Hagar diz: “Hey Ray, what you said is true, I Can’t Stop Loving You…”. O Ray em questão seria o Ray Charles, que gravou na década de 60 uma música com otítulo homônimo. Segundo informação do SH, a letra seria uma referência ao seu relacionamento com sua ex-esposa, Betsy. Na época da gravação do disco, o casal estava enfrentando um divórcio traumático para as partes envolvidas e isso estaria afetando, em parte, o relacionamento da banda com o vocalista (principalmente em relação a qualidade das letras escritas pelo Red Rocker e a constantes ausências do mesmo nas sessões de gravação, algo muito reclamado por EVH, AVH e MA à época).

Don't Tell Me (What love can do), A letra desta música foi inspirada no suicídio do músico Kurt Cobain (ocorrido em 1994) e como isso afetou o lead singer Sammy Hagar. O EVH usa uma EBMM com o mais tarde famoso D-tuna. Após o lançamento do disco Balance e durante a gravação do vídeo clipe para essa música, o baterista Alex Van Halen declara à revista Guitar World que aquela música tinha um “punch” diferente e que após quase 05 horas de gravação do vídeo, a música ainda era legal e não tinha nada de enjoativa, vez que todos os técnicos envolvidos na gravação ainda batiam com a ponta do pé ao ritmo da mesma, demonstrando que todos apreciavam a canção.

Amsterdam, vocês leram acima que a banda (EVH, AVH e MA) estava enfrentando sérios problemas internos de relacionamento com o vocalista Sammy Hagar. Este, o Red Rocker, além do processo de divórcio, estava tendo dificuldades de relacionamento com o novo empresário da banda, Ray Daniels, vez que o seu antigo amigo e empresário do VH desde sua chegada em 1985 morrera no final de 1993. Segundo notas de Betsy Hagar apontadas no livro nunca lançado, porém escrito entre 1996/1997 pelo 2º vocal do VH, o Red Rocker não facilitou o divórcio deles e até dificultou que ela pegasse alguns pertences de uma casa do casal, não deixando que a ex-esposa levasse peças de prata que ela ganhou à época de seu casamento com o vocal e alguns livros que ela guardou na biblioteca do casal. Então, o Sammy não estava escrevendo suas melhores letras naqueles dias e tanto a banda, quanto o produtor, cobravam isso com ênfase. Um dos motivos do vocal optar por gravar grande parte das vozes no estúdio do músico Bryan Adams foi a facilidade do mesmo em estar um pouco longe das cobranças dos outros membros da banda e a mesmo tempo dar mais oportunidade ao Bruce Fairbain de passar mais tempo com a família deste no Canadá. A letra para Amsterdam sempre foi ponto de discórdia entre o vocal e o EVH; as fortes referências ao uso de drogas revoltavam o guitarrista, pois Amsterdam é a cidade natal do baterista e do guitarrista. Mesmo com algumas modificações impostas à letra da música pela MTv para a execução do vídeo desta em sua programação, o vídeo pouco passou nos EUA por conta da citada apologia às drogas, e isso revoltou o EVH ao extremo e ele não escondia sua insatisfação com o refrão de Amsterdam, especialmente no ponto em que havia o tal “Ohhhh, Wham! Bam!.....” – “Qual o sentido disso?” era o que o guitarrista se perguntava e tornava público sua irritação. Falando desse vídeo clipe, este mostra a primeira tatuagem do guitarrista EVH – a inscrição do nome “Wolfgang” no braço direito do mesmo, com o logotipo ((VH)) pouco acima. Anos depois, ele fez uma outra tatuagem no seu braço esquerdo; o nome de sua ex-esposa, Valerie, em meio a uma rosa.
Em entrevista à revista Cover Guitarra em 98, Eddie fala sobre compor e acaba dando pistas de que realmente não curte Amsterdam - "A maioria das músicas dos três primeiros discos surgiram de idéias que eu tinha na hora de dormir. E das jams que eu fazia com meu irmão. Depois, levava a espinha dorsal dos arranjos para o restante do grupo. A melhor maneira de compor é aquela em que você se livra de todos os pré-conceitos com relação ao formato do que deve ser uma música. Eu nunca consegui sentar no estúdio e dizer para mim mesmo “agora vou compor uma canção!”. Na única vez em que fiz isso, compus “Amsterdam” (do disco Balance), música da qual não sinto muito orgulho."

Big Fat Money, “ - Do you want a click on this one?
‘ - I don’t need no stiking click…. .

- two, three,…..”

Esse começo de música é bem engraçado. O produtor pergunta; “Você precisa do click (metrônomo) nessa música?” e o Alex Van Halen responde; “Eu não preciso de nenhum click fedorento....2, 3,...”.

O segundo solo de guitarra, aquele com um timbre bem mais leve e com cara de “blues” foi conseguido da seguinte forma; o Edward Van Halen estava brincando com uma guitarra na mão (algo que ele faz/fazia 24 horas no dia) e o Fairbain pergunta se ele não poderia gravar para a BFM um solo bem bluseiro, simples e descolado, com um timbre bem limpo. O Fairbain colocou o track da música para ele ouvir e apertou, sem o EVH saber, o botão vermelho de Rec. e gravou o que o EVH fez em seguida. O EVH disse algo como “É mais ou menos isso o que você quer?” O produtor respondeu; “Na verdade, eu quero o que você ACABOU de fazer e eu já gravei o mesmo!”. E assim o solo ficou daquela maneira – O Edward Van Halen usou uma guitarra Gibson ES-335 ligada ao seu velho Marshall Super Lead 100 para esse solo.
foram feitas mais de 20 tentativas para se conseguir aquele efeito no final da música, com o barulho da moeda. Essa moeda foi jogada em cima da mesa de gravação e usou-se um microfone Shure para captar tal som.

Strung Out, durante a primavera, quase verão de 1983, Edward Van Halen e sua então esposa Valerie Bertinelli saem em uma segunda lua-de-mel. O casal aluga a casa do Sr. Marvin Hamlish na praia de Malibu/CA. Uma vez lá e durante as horas em que não fazia nada, o EVH tomava umas cervejas e literalmente destruía as cordas do piano de cauda da casa (um Yamaha branco) colocando pilhas, bolinhas de ping-pong, queimando as cordas com pontas de cigarro até elas quebrarem, cerrando as cordas com facas e outras barbáries. Tudo isso tendo ao seu lado um gravador pequeno para registrar esse “momentos exóticos”. Pois bem, o resultado de horas de destruição viraram 1:29 minutos de intro para a música “Not Enough”. O Bruce Fairbain perguntou ao EVH se ele teria algo para colocar como introdução à balada do disco e esse lhe mostrou algumas fitas K7s bem antigas e disse para o produtor se divertir com aquilo; este garimpou algo aqui e ali e ouviu as loucuras da primavera/verão de 1983 e pediu para o EVH incluir um pequeno trecho de teclado como musical incidental. Voilá! Dizem que o Sr. Marvin Hamlish só ficou sabendo da aberração ao seu piano de cauda com o lançamento do disco e a divulgação da presente história.

Not Enough, primeiramente, o vocalista Sammy Hagar compôs a letra e a melodia de voz para essa música. Depois disso, o Red Rocker chamou o músico Edward Van Halen e esclareceu para ele como é que o vocal queria um arranjo para o piano. O EVH simplesmente sentou-se na cadeira e espontaneamente saiu a tocar uma peça para piano. E foi essa peça que ficou em definitivo na música. Detalhe; o piano NÃO foi gravado dentro do estúdio 5150; essa parte foi gravada diretamente na imensa sala da casa do EVH e de sua esposa à época, Valerie Bertinelli, local em que o piano de calda Steinway se encontra. Para conseguir aquele timbre de guitarra aparentemente único, o EVH usou um amplificador que remonta a década de 60; um Leslie Organ Speaker (ele possui um sistema de rotação). Os Beatles usaram essa técnica em 1967. Essa canção também mostra a primeira vez que o Michael Anthony usa um baixo fretless na gravação de uma música do VH.

Aftershock, a letra de Aftershock dessa música diz respeito a uma relação amorosa bem diferente; abalada, massacrada e, ainda assim, insistente em continuar, não importando o que venha pela frente. Dizem que o Sammy Hagar estaria novamente falando de seu conturbado relacionamento com a Betsy Hagar, de quem ele estava se separando naqueles dias. Em algumas partes da música, é possível se ouvir o bom e velho MXR Flanger do EVH.

Doin Time, essa música instrumental só aparece no disco Balance por insistência do EVH e do produtor, Bruce Fairbain. Se dependesse do Alex Van Halen, certamente ela não seria incluída. O AVH nega que seja um solo de bateria – “Acontece que ninguém quis tocar comigo naquele momento!”. Até os últimos instantes anteriores ao lançamento do disco, o título utilizado era “Drum Thing”.

Baluchitherium, o EVH usa uma guitarra Music Man Albert Lee com cordas mais grossas afinadas em “low A”. O título Baluchitherium veio de uma sugestão da Valerie Bertinelli; ao ouvir a música (que possuía o título provisório de “Heavy Groove”) ela disse que a música era muito pesada, “tão pesada como um Baluchitherium”. “Balu o quê”; foi a reação dos outros membros da banda presentes ao fato. Ela explicou; “Baluchitherium foi o maior mamífero que andou na Terra e ele se parecia com um Rinoceronte, só que maior e bem mais pesado. Habitou parte da Ásia (onde atualmente ficam o Afeganistão e o Paquistão)”. A comparação do animal com o timbre da guitarra do EVH é que tornou o título curioso e até apropriado. Outro detalhe; no fim da música, é possível se ouvir o cachorro do EVH Sherman (um dálmata) latindo – eles passaram fita crepe num cachorro quente e o colocaram no microfone para se captar o latido do cão, além do barulho de uma sirene capaz de estimular o cão. O motivo dessa música ser outra instrumental é justificado pela preguiça ou falta de interesse do vocal Sammy Hagar em escrever letras descentes ou apenas não querer escrever letras para essa música. O Michael Anthony usou um baixo de 05 cordas nessa gravação.

Take Me Back (Deja-Vu), o título inicial dessa música era simplesmente Deja-Vu. 02 letras previamente escritas para a mesma foram recusadas pelo produtor Bruce Fairbain. Esse foi um dos motivos do Sammy Hagar não querer essa música no disco; ele chegou a pedir a retirada da mesma e a sua substituição pela música “Crossing Over”. Detalhe; essa música é um leftover do disco “F.U.C.K.”. A introdução dessa música traz um trecho de uma antiga música do Van Halen escrita ainda nos Club Days da banda (1973/1977) – o título dessa antiga música nunca lançada anteriormente era “No More Waiting”. O violão usado pelo EVH na introdução de Take Me Back (Deja-Vu) é conhecida como Musser – um violão sulamericano que o guitarrista comprou em Los Angeles. É também possível se ouvir o EVH tocando guitarra e usando slide nessa música. Segundo o Red Rocker, a letra dessa música seria uma continuação, uma seqüência para a letra de outra música (de sua carreira solo, diga-se de passagem) chamada “Swept Away (do disco V O A ).

Feelin', essa é uma das músicas mais longas que o Van Halen gravou em toda a sua discografia? São 6:36 minutos. O Sammy Hagar chegou a apontá-la como a música mais importante do disco Balance, em sua opinião, é claro.

Van Halen - Live: Right Here, Right Now (1993)

2008-08-05T09:09:00.000-07:00

Disc 1
Disc 2

Primeiro albúm ao vivo gravado oficialmente pela banda em 1993, o albúm reúne canções tocadas em duas noites em maio de 1992, no SellandArena, Fresno, Califórnia. A maioria das canções desse disco foi gravada na primeira noite, como os solos realizados por Eddie e Sammy.
Existe muita discução sobre as músicas deste albúm, se foram realmente gravadas ao vivo ou em estúdio, como a original de Cabo Wabo, era um Som Mais "REAL". Existe um video no Youtube que da provas de que pelomenos uma faixa foi gravada em estúdio. As provas de que foram gravadas em estúdio nunca foram confirmadas.

Disc I

"Poundcake" – 5:28 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"Judgement Day" – 4:52 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"When it's love" – 5:22 (from OU812)
"Spanked" – 5:08 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"Ain't Talkin' 'bout love (Anthony/Roth/Van Halen/Van Halen) – 4:37 (from Van Halen)
"In 'n' Out" – 6:20 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"Dreams" – 4:49 (from 5150)
"Man on a Mission" – 4:49 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"Ultra Bass" – 5:15 (Michael Anthony bass solo)
"Pleasure Dome/Drum Solo" – 9:38 (from For Unlawful Carnal Knowledge/Alex Van Halen drum solo)
"Panama" (Anthony/Roth/Van Halen/Van Halen) – 6:39 (from 1984)
"Love Walks In" – 5:14 (from 5150)
"Runaround" – 5:21 (from For Unlawful Carnal Knowledge)

Disc II

"Right Now" – 6:13 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"One Way to Rock" (Hagar) – 4:58 (Sammy Hagar solo song, from Standing Hamptom)
"Why Can't This Be Love?" – 5:22 (from 5150)
"Give to Live" (Hagar) – 5:39 (Sammy Hagar solo song, from I Never Said Goodbye)
"Finish What Ya Started" – 5:50 (from OU812)
"Best of Both Worlds" – 5:00 (from 5150)
"316" – 11:37 (from For Unlawful Carnal Knowledge)
"YouReally Got Me/Cabo Wabo" (Ray Davies/Anthony/Hagar/Van Halen/Van Halen) – 7:58 (cover from Van Halen, originally by The Kinks/from OU812)
"won't Get Fooled Again" (Pete townshend) – 5:41 (cover, originally by The Who)
"Jump" (Anthony/Roth/Van Halen/Van Halen) – 4:26 (from 1984)
"Top Of The World" – 4:59 (from For Unlawful Carnal Knowledge)

Em algumas versões, existem bônus:

"Eagles Fly" (Hagar) - 6:03 (Sammy Hagar solo song, from I Never Said Goodbye)
"Mine All Mine" - 5:27 (from OU812)

Van Halen - F.U.C.K.

2008-08-03T09:49:00.000-07:00

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Poundcake, antes de mais nada, vale a pena lembrar o que o Eddie usa em "Poundcake" para fazer aquela verdadeira muralha de som que a música possui. Ele grava 02 takes de bases usando uma guitarra de nome Roger Giffin de 12 cordas. Essas guitarras possuem captadores Smith, que seriam um híbrido entre um humbucker e um single coin. Detalhe: o Roger Giffin foi funcionário da Gibson por 12 anos. A primeira música gravada para o "F.U.C.K." foi a "Judgement Day", como eu havia afirmado antes. Logo após a gravação dessa música, a Ernie Ball enviou a primeira guitarra Music Man desenhada com o auxílio do Eddie Van Halen. O primeiro protótipo era confeccionada com uma madeira diferente. Após umas 03 ou 04 modificações solicitadas pelo Eddie, chegou em suas mãos o modelo amarelo que ele tanto usa; foi AMOR a primeira vista. Com esse modelo ele grava os solos da "Poundcake" que foi composta bem devagar, embora a letra tenha aparecido num dia de inspiração do Sammy Hagar. Então, a música já estava praticamente pronta quando o Amplificador Soldano precisou trocar as válvulas para dar prosseguimento a gravação do disco. Após abrir a parte traseira do amplificador, o Matt Bruck (assistente do Eddie) deixa a furadeira Makita em cima do amplificador e o Eddie, meio distraído, acaba derrubando a furadeira ao bater o braço da guitarra no amplificador. Daí, ele pega a furadeira e, sem querer, aperta o aparelho e ele faz um som engraçado no outro amplificador ao qual o Eddie estava ligado. Aquilo deixa ele louco e ele chama o Andy Johns e pergunta se eles não poderiam utilizar aquele som que o captador da guitarra pegou em alguma música. Ora, no mesmo momento o Andy fica pensando na "Poundcake" sem uma introdução definida e sugere o uso da Makita no início da música - o Eddie aproveita e regrava o solo e inclui a furadeira em algumas partes deste. E essa é a história de como a Makita Wireless Drill entrou para a música "Poundcake". Tudo na vida do Van Halen acaba acontecendo sem que a banda force a barra;
Se por um acaso você tinha dúvidas ou não sabia o que se passa no começo de "Poundcake", os seus problemas acabaram. Eis o pequeno diálogo que ocorre entre o Eddie e o Alex no início da música:
Alex - "Ain't that some shit."
Eddie - "Ok, ready to go?"
Alex - "Yeah!"
Eddie - "Yeah?"
Alex - "Let's do it."
Eddie - "A'right."
Cuidado: para ouvir esse diálogo, você terá que colocar o volume no máximo e, ainda assim, a conversa sairá numa altura meio baixa. Mas logo em seguida a furadeira Makita entra em ação e o volume vem arrebentando.

Judgement Day, em 1990/1991, depois de escolherem o produtor Andy Johns, que havia trabalhado com o Led Zeppelin e The Rolling Stones, a banda e o produtor perguntam ao Eddie quantas músicas ele já havia feito ou quantos riffs ele poderia apresentar para iniciarem os ensaios e a gravação de um novo disco. A resposta do Eddie foi:
- “Hell, I got nothing. Well, give me until....uh,... tomorrow. I'll get something."
Daí, ele passa a noite com o violão e acaba compondo "Judgement Day". O termo que ele usou para definir os riffs da música foram "A Real Headbanger Stuff".
Como o estúdio 5150 esteve em reforma no início de 1990 (foi instalada uma nova mesa contendo 36 canais com GML automation e criada uma sala só para a bateria, o que dobrou o tamanho do estúdio), o Eddie praticamente passou um ano inteiro sem encostar em uma guitarra. Essa música foi gravada antes da apresentação da guitarra que se tornaria o xodó do Eddie naqueles dias: a Music Man Ernie Ball. Ele utilizou a sua companheira de longa data, Frankenstrat, para a gravação.

Spanked, a criação da música "Spanked" possui uma história bem interessante. O Andy Johns, produtor dos discos "F.U.C.K." e "Live: Right here, Right now", ao chegar pela primeira vez no 5150, o estúdio, achou-o pequeno, apesar da reforma que este sofrera em 1990/91. Dai, ele desistiu da idéia de ter dois engenheiros de som ao seu lado (ele trabalhou só com o Ken or "Murray" Deane). Mas ele ficou muito impressionado com as caixas de som que ficam no estúdio e que permitem ouvir o resultado do que foi gravado. O tempo todo ele dizia que aquilo "espancava a cabeça do ouvinte". O Eddie não aguentava e ria sem parar quando o produtor inglês insistia em dizer 'Spanked' o tempo todo. O Eddie é viciado em televisão; O Sammy não gosta muito, mas durante um intervalo ou outro das sessões de gravação do "F.U.C.K.", ele ligava a TV e ficava viajando no controle remoto, até que um Comercial de Tv chamou sua atenção. O comercial falava de um número de telefone para você ligar e se sentir aliviado e de bem com a vida ao conversar com mulheres do outro lado da linha. 0 número do telefone era: 1-900-SPANKED. Engraçado é notar os preços que o Sammy fala: "Free dollars - first minute, After that, cost you Four". Os telefones americanos têm programação para usar as letras, além dos números, é claro. Desse comercial é que surgiu a letra de "SPANKED", vez que o título eles roubaram da expressão usada pelo Andy Johns. O Chefão à época da Warner Bros. e responsável pela contratação do VH em 1977, Mo Ostin, reagiu assim ao ouvir pela primeira vez a música, antes do lançamento do "F.U.C.K.": "Gee guys, that's er.......nice".

Runaround, assim como no disco "OU 812", as músicas compostas para o "F.U.C.K." foram feitas uma a uma, só que, dessa vez, sem pressa e todo o processo de gravação, mixagem, masterização, fotos, e tal levou um ano inteiro para ser executado. Então, a criação de "Runaround" foi mais ou menos assim: o Eddie aparece com uma idéia e mostra a todos da banda que opinavam "sim" ou "não" para as bases apresentadas. Daí, rolava umas jam sessions e o esqueleto da composição era gravado e alterado com as opiniões de cada um. Foi um desses processos de trabalho conjunto que criou a música de "Runaround" - as primeiras bases apresentadas foram a do chorus e a base de introdução. Guitarra usada pelo Eddie: há controvérsias – uns dizem se tratar de uma Fender Telecaster e há rumores de que teria sido a mesma Ernie Ball Music Man. Eu acho o timbre dessa música hiper diferente de todo o disco, então eu arriscaria dizer que se trata da Fender. O vídeo clip é muito legal e foi gravado em cima de uma plataforma circular que podia mover-se a uma velocidade máxima de 27 km/h. Diz o Michael Anthony que, por duas vezes, ele esqueceu desse detalhe e foi parar nos bastidores do set de filmagem, arremessado fora do tablado.

Pleasure Dome, a música "Pleasure Dome" foi meio que montada pelo Alex Van Halen a partir de 03 riffs que o Eddie possuia há vários anos, mas que não haviam gerado uma música até aquele momento. Na "Pleasure Dome" pode-se encontrar o momento mais pesado do disco e, por conseguinte, essa é a música que o Alex escolhe para fazer seu solo de bateria quando na turnê do disco. A decisão de incluir "Pleasure Dome" no "F.U.C.K." foi do Alex e do produtor, Andy Johns, principalmente porque se repetiu o clima de Led Zeppelin nessa música e na "Spanked". O Alex Van Halen certamente deve ser o baterista que há vários anos é o mais ligado a hereditariedade deixada pelo John Bonham, pois ele usa a mesma bateria (Ludwig), os mesmos pratos (Paiste) e tem a mesma pegada e atitude para com o instrumento. O Eddie utiliza a Steinberger Trans Trem GL2T equipada com captadores EMG Humbucking na gravação.

In 'N' Out, ao contrário do que muitos pensam, a letra de "In & Out" não está relacionada, em momento algum, a sexo. Quando da gravação do "F.U.C.K.", aconteceu que um familiar do Sammy Hagar infelizmente veio a óbito e a família estava meio sem grana para fazer o enterro e o pessoal acabou ligando para o Sammy Hagar para dar a má notícia e pedir uma ajuda no enterro do familiar. É claro que o Sammy não criou caso e se dispôs a ajudar e a acompanhar todo o funeral. O que ele estranhou foi o fato do preço para enterrar o seu parente. Além dos gastos com o funeral, os impostos e taxas para a Certidão de Óbito eram excessivas, segundo a sua opinião. Daí, ele concluiu que era mais barato nascer do que morrer. A sua reação a essa conclusão foi a frase: deve-se pagar o mesmo valor para nascer ou para morrer. Ou seja: "Same amount, In & Out". Na aletra da música, ele até exagera e diz que as contas sempre o perseguiram desde o seu nascimento e isso é claro nos primeiros versos da letra de "In & Out". O trabalho de baixo que o Mike Anthony deu a essa música é um caso à parte. Ele grava de palheta nada menos que 03 takes que ficaram em definitivo no disco. São 03 linhas de baixo para uma única música. O Mike sempre usou 03 microfones dispostos 02 na diagonal e 01 direto na frente do Amplificador, mas o trabalho do engenheiro Donn Landee nunca foi caprichado para o baixo, até porque a estrela a bilhar era a guitarra do Eddie. Mas o Andy Johns, produtor do "F.U.C.K.", deu as manhas para o Mike e para o Eddie conseguirem captar o melhor som de baixo gravado nos discos do Van Halen.

Man On A Mission, talvez poucos saibam, mas o Eddie Van Halen é um exímio baixista, além de guitarrista e tecladista. E ele criou o riff inicial de "Man on a Mission" quando estava tocando baixo. Mais uma vez o Eddie usa a EBMM - Ernie Ball Music Man - para a gravação das guitarras.

The Dream Is Over, "Pssshiu! Hey, come on, man. Wake up!". O Eddie usa um protótipo de um pré amplificador confeccionado pelo Bob Bradshaw nas bases dessa música. Ele usa a sua famosa EBMM amarela na gravação de "The Dream Is Over".

Right Now, o esboço dessa música foi mostrada ao Dave Lee Roth ainda em 1983, mas ele não deu muita atenção. O Eddie gravaa essa música com uma guitarra chamada Kramer Steve Ripley Stereo Guitar como instrumental para o disco "1984", mas ela fica como "leftover". Então, o Eddie meio que deixou a música de lado, mas vez ou outra ele ficava brincando com ela dentro de sua casa, na sala de estar, onde fica seu piano de calda Steinway. Até que ele e convidadopara compor a trilha sonora do filme “The Wild Life”, no qual possível ouvir trechos do que mais tarde nós conheceríamos como “Right Now”. O Sammy Hagar era intrigado com aquela obstinação e num surto de inspiração em sua casa (não muito distante da do Eddie), ele criou uma parte do pré-chorus e todo o chorus. Daí ele liga no meio da noite e pergunta ao Eddie se ele poderia repetir a música que ele vivia tocando no piano. O Eddie vai até a sala e toca a música e o Sammy do outro lado da linha vai cantando o que ele acabara de escrever. Fora o Sammy, a pessoa que o Eddie queria ver e ouvir cantando "Right Now" era o Joe Cocker, justamente porque o Eddie se lembrava do groove de "Feelin' All Right" e sonhava ter gravado a música com o Joe. Outro detalhe: a vontade do Eddie era de que a guitarra aparecesse somente na hora do solo, mas ele acabou ouvindo o Andy Johns e colocou os riffs que a gente conhece em toda a canção.

316, 16 de março de 1991 marca a data de nascimento do filho do Eddie e da Valerie Bertinelli, Wolfgang William Van Halen (Hospital St. John - Santa Monica/CA). O Eddie já tocava os riffs de "316" nos shows da turne do "5150" e do "OU 812", durante o seu solo. Daí, o produtor Andy Johns pediu ao Eddie se ele não gostaria de colocar algo acústico, mas que tivesse um significado diferente. Ora, o Andy já havia visto o Eddie ninando o garoto com aqueles acordes e propõe, junto com todos da banda, essa gravação, idéia da qual o Eddie topa na hora. Ele usa um violão Chet Atkins acoustic solid body com cordas de aço. Ele grava direto na mesa e coloca um efeito do Eventide Harmonizer depois. Uma bela canção de ninar, diga-se de passagem.

Top Of The World, você já havia reparado alguma semelhança entre "Jump" e "Top of the World"? Pois é verdade, elas guardam como semelhança o riff final (fade out) de "Jump" que irá ser o riff inicial de "Top of the World". Por insistência do Andy Johns foi que a música acabou entrando no disco e ficando de vez em nossa memória. Dizem que o "F.U.C.K." possui outras 06 a 08 músicas que ficaram de "leftover" e que, se não fosse a intervenção no fim do processo de gravação do Ted Templeman, haveria a possibilidade de sair um álbum duplo de estúdio. A bronca dele foi comparar o Van Halen com a megalomania do Guns'n'Roses que lançou na mesma época uns dois discos de estúdio. O Eddie usa a sua famosa 1958 Gibson Flying V "Hot for Teacher" na gravação dessa música. Me like it...

Van Halen - OU812 (1988)

2008-08-01T22:01:00.000-07:00

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Mine All Mine, além de ter sido a primeira música gravada para o novo disco do Van Halen após o magnífico sucesso do "5150", a música "Mine, All Mine" foi composta pelos irmãos Van Halen em uma de suas infinitas jam sessions no mesmo dia em que o Eddie criou, dentre outras, a "When It's Love" (Abro um parêntese: quando da morte do Sr. Jan Van Halen em Dez/1986, seus filhos tocaram juntos em homenagem ao pai por incontáveis 09 horas as velhas músicas que o patriarca Van Halen costumava tocar. Outro exemplo foi a criação de "And The Cradle Will Rock...", que surgiu mais da expiração do que da inspiração - 03 semanas ensaiando por 04 horas diárias no porão da casa dos pais do Dave Lee Roth em 1979). O solo dessa música seria um dos solos mais fáceis que o Eddie executaria e sua gravação aconteceu no primeiro take. O Sammy adorou a música logo de cara e durante as 02 semanas seguintes ele escreveu a letra. O grande problema encontrado na gravação de todo o "OU 812" foi a definição dos timbres da bateria. Pensemos o seguinte: se o Alex estiver contente, então a banda estará e os takes de guitarra e baixo ficaram mais fáceis de serem gravados depois. Mas isso não aconteceu assim tão fácil e o Donn Landee, engenheiro e produtor desse disco, teve mais trabalho dessa vez, pois o Alex não queria novamente usar a bateria eletrônica Simmons, utilizada no "5150" (tom tons e bumbo). A solução foi diminuir o tamanho da bateria e utilizar um trigger para os bumbos na hora da mixagem. Como o Diogo já postou com a devida categoria, a letra de "Mine, All Mine" é uma ode a si mesmo; seja sempre seu melhor amigo.

When It's Love, essa foi a primeira música que o Eddie criou para o novo disco, mais tarde entitulado "OU 812". Ele ficou com os acordes iniciais da música por praticamente 01 semana na cabeça e enquanto não terminou a música toda, ele não iniciou outras. Sua mente compôs nada menos que 04 musicas em um único dia, todas elas compostas no teclado: "When it's Love", "Mine, all Mine", "AFU" e "Black & Blue". O nome de trabalho era algo do tipo "How Do I Know When it's Love?" O que ele tinha em mente era criar uma música melódica e simples, que fosse direto ao gosto popular. Na verdade, ele foi muito criticado por criar mais esse "Pop Tune", mas não se mostrou muito preocupado com essa reação. Naqueles dias, o que ele mais preocupava o Eddie era a troca da cerveja Heineken pela Coala Coolers e o cigarro Marlboro pelo Merit Ultra Lights. Literalmente, esse foi o disco que o Eddie Van Halen mais bebeu dentre todos os gravados anteriormente. Em sua vida privada, o momento era crítico, pois sua esposa não conseguia engravidar e isso o deixava muito tenso. Depois de um tratamento para que a gravidez corresse tranqüila é que o Eddie e a Valerie ficaram mais relaxados (na verdade, esse tratamento se estendeu por 02 anos).
A.F.U, inicialmente, o título dessa música do "OU 812" demorou a ser definido, pois hora ela era chamada apenas de "A.F.U.", hora era de "Naturally Wired". Ao se definir pelo título que consta do CD, uniu-se o útil ao agradável; nada mais justo. Sabem aquela batida inicial da música?
tum tum tum pa (Chomp)
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tum tum tum pa (Chomp)
tum tum pa (Chomp)
Pois é, essa batida foi criada pelo Eddie Van Halen em 1985, mas ele nunca lembrava de usar em alguma de suas músicas. Até que o Alex perguntou como era mesmo essa batida. O Eddie tocou e o Alex sugeriu que a batida fosse colocada no início de "A.F.U. - Naturally Wired". Não esqueçamos que o Eddie era baterista antes de virar um Guitar Hero. A batida foi idéia do Eddie baseada em alguma música do Led Zepellin que ele costumava ouvir, embora ele mesmo não se lembre qual foi a música que o inspirou.

Cabo Wabo, essa foi a primeira sugestão de título para o disco "OU 812", pois, segundo o Eddie, o novo disco do Van Halen era puro Rock'n'Roll. O Sammy estava para inaugurar seu bar temático em Cabo San Lucas (México) e sua empolgação era enorme. Ele não parava de falar do lugar, das qualidades do mar do Pacífico e, principalmente, das belas mulheres que desfilavam pelos resorts. Comentando com o Eddie, ele disse que estava escrevendo uma letra acerca do local e perguntou se o Eddie não teria uma música nova e diferente para mostrar. O Eddie tocou uns riffs diferentes que ele tinha composto dias antes e o Sammy berrou algo assim: "Man, this is PERFECT for Cabo". O título de trabalho da música "Cabo Wabo" era: "Face Down in Cabo". Na gravação, o Eddie usa uma guitarra Fender 12 cordas ligada ao seu Baby Marshall 100 watts, mas no solo ele usa a Kramer Baretta 5150 com um wah-wah ligado, mas não acionado; foi usado apenas para dar um timbre diferente. O baixo do Mike foi plugado direto na mesa e eles só colocaram efeito depois na mixagem.

Source Of Infection, ao mesmo tempo em que a banda continua a realizar as gravações de "OU 812", o empresário Ed Lefller começa a produzir, tendo o Van Halen como headliner, o festival intinerante que viajaria vários estados americanos e só se apresentaria em estádio e ginásios, entitulado "Monsters of Rock" tour. O pontapé inicial, após 02 anos de hiato do VH dos palcos, ocorre no Alpine Valley Music Theater, Wisconsin (27.05.1988). Além do VH, são convidadas as bandas Scorpions, Dokken, Kingdom Come e Metallica. Foram 20 datas e um equipamento de 260.000 watts, mas um médio fracasso em algumas cidades, o que não atrapalhou em nada o sucesso da banda. Só no mês seguinte é que o disco chega ao mercado e alcança o 1º lugar nos EUA e o 16º no Reino Unido em termos de parada de sucesso.

Feels So Good, de todas as músicas gravadas para o disco "OU 812", "Feels so Good" foi a que mais trabalho deu a todos da banda. Ela foi gravada e, posteriormente, modificada até que a banda achasse o ponto que eles consideravam o correto para a música. Essa música, ao lado de "When It's Love", possue o maior número de overdubs de todo o disco. Grande parte das letras do disco foram escritas pelo Sammy na Baja California, México por conta da inauguração de seu bar temático, o Cabo Wabo Cantina, no balneário de Cabo San Lucas. O que o Alex fez na bateria foi algo de espetacular, na minha pobre opinião. Ele não estava gostando do som de seu chimbal, pois em sua mente a batida meio reggae que o música tem não estava totalmente completa e algo faltava. Daí, ele resolve experimentar algo que ele lembra ter visto de um de seus ídolos, Ginger Baker, baterista do Cream. Ele une 02 crash ride da Paiste e usa-os como chimbal. Em sua opinião, aquilo ficou "amazing". O "Chomp" (aquele som de se abrir e fechar do chimbal) ficou maestral. Mas esse segredo só foi revelado quando do registro do vídeo clip da música. Aquele solo do Eddie é algo monstruoso de bom. Foi uma das músicas que mais me surpreenderam dentre todas as gravadas pelo VH no disco "OU 812". Acho que é isso.

Finish What Ya Started, o título de trabalho que a banda deu a "Finish What Ya Started" era "Baby Come On". Segundo o Eddie, essa música seria um cruzamento do Van Halen com The Rolling Stones (!!). O Eddie usou uma Fender Strat direto na mesa e o Sammy participa da música com o violão que ele usa no vídeo clipe nos acordes que aparecem do lado esquerdo do aparelho de som (pelo menos no meu!). No decorrer das gravações do "OU 812", várias foram as vezes que os músicos de bandas como o Scorpions, Metallica e Dokken apareceram na casa do Eddie para definir datas e locais da turnê "Monsters of Rock". No dia em que a "Finish What Ya Started" foi finalizada, os músicos do Scorpions estavam lá e ouviram em primeira mão a música. O Klaus Meine emitiu a seguinte opinião (lembrem-se de usar um sotaque alemão): "Oh, ja, ja, Ees verrry nice...". Daí o Alex surge com a seguinte frase: "Hey, you guys are doing a great job pretending you like it". Laughs all around.

Black And Blue, definição do Eddie para "Black & Blue": "B&B is a heavy funk - it's slippery, it's grungy, more of a kids'... what am I talking about - I'm a KID. I'd would like the first single to be something grungier. I don't want people to think: 'Oh! Van Halen went pop'." Ou seja, o Eddie queria algo mais pesado que "B&B" para ser o primeiro single - Eles acabaram optando por "When It's Love". Essa música foi composta pouco depois de "Mine, All Mine" e "A.F.U. - Naturally Wired". O Eddie diz que usa uma "Bradshaw" nessa música, durante as gravações. Mas ele não é muito específico. Explico: durante meses consultei alguns amigos da comunidade e recebi retornos explicando que o sistema Bob Bradshaw é utilizado para os pedais de guitarristas ao vivo - sem utilidade prática em estúdio. As guitarras Bradshaw são as conhecidas "Guitarras havaianas", que se toca sentado e com slide, embora existam modelos para se tocar em pé. Como eu citei, o Eddie não é muito específico e deixa essa pequena lacuna quanto ao esclarecimento do que ele realmente usou nessa música.

Sucker In A 3 Piece, o Eddie faz aqueles "wings" no início da música, daí o Alex entra com uma batida a lá "Panama" (o Eddie mantém-se tocando outra base) e vem a segunda base que supostamente teria sido criada para alguma música do disco "1984". Não se trata de leftover; apenas essa base em especial teria sido criada alguns anos antes. Não se tem toda a certeza do mundo quanto a isso porque o Eddie ora lembra disso, ora esquece e sempre paira uma dúvida no ar. A única certeza é que essa música, assim como a "Feel so Good", "Source of Infection" e "Black & Blue", foi gravada quase que ao vivo, em primeiro take, por conta do atraso nas gravações. Isso é latente ao se analisar friamente a letra de "Sucker": o Sammy se repete 02 vezes. A primeira diz respeito a ele usar o verso "9 on a 10 scale", que seria o título de um disco seu na carreira solo. A outra repetição está no mesmo disco, na música "Cabo Wabo"; o Sammy repete algo como "She take me down, down, down, down to the bottom" e ele usa uma variante desse verso na "Cabo Wabo". O Eddie usa overdub em uma única base (ele usa 02 guitarras: a Steinberger Trans Trem e a Kramer 5150 Baretta - até o "OU 812" o Eddie jamais tinha usado as Kramers para gravações; seu uso era restrito a estrada), embora ele faça o solo SEM overdub. O Mike, mais uma vez, liga o baixo direto na mesa, o que prejudica em muito sua performance no disco.

Apolitical Blues, em 1977, quando o Van Halen foi (sub) contratado pela Warner Bros., eles gravaram uma fita demo contendo 28 músicas. Dentre essas músicas gravadas, estava uma versão mais pesada de " A Apolitical Blues". A sugestão por fazer um cover do Little Feat alguns anos depois foi do Donn Landee e todos da banda gostaram da idéia. Esta música saiu como lado B do segundo single oriundo do "OU 812", "Black & Blue". Sua gravação levou algo em torno de 30 minutos para ser realizada e totalmente concluída, incluindo a mixagem. Foram usados apenas 02 microfones colocados no alto da sala única de gravações do 5150 naqueles dias e o Eddie fez o overdub do piano pouco depois copiando o que o pianista Billy Payne havia feito no original. Ele usa uma guitarra Airline preta com slide ligada a um minúsculo amplificador Music Man e o resultado ficou praticamente igual ao original gravado pelo guitarrista Lowell George. Abraços aos que estão lendo esses posts e aos que não lêem, também.

Rodolfo - Entrevista (Pós-Raimundos)

2008-08-01T21:22:00.000-07:00

" ROLOU DE EU ORAR EM LÍNGUAS "

O linguajar é nitidamente misturado. A gíria e o evangeliquês agora são inseparáveis no vocabulário do cantor Rodolfo Abrantes, ex-vocalista da banda Raimundos. Ele não mudou somente a carreira profissional, ao anunciar, em junho do ano passado, sua saída do bem-sucedido grupo brasiliense, seis meses após ter se convertido à fé evangélica. Hoje, a vida do irreverente roqueiro é tão diferente, como são diferentes as letras de seu novo disco, Estreito (Warner Music), com a recém-criada banda RODOX. As músicas recheadas de palavrões deram lugar a mensagens cristãs.

Rodolfo, que se confessa admirador da cantora evangélica Cassiane, garante que sua nova banda não é gospel. O estilo, realmente, nada tem a ver com a música que se canta nos cultos evangélicos. Há punk-rock, ska, hip hop e outros ritmos eletrônicos. A inspiração, agora, não está nas mazelas sociais. Aos 29 anos, Rodolfo conta que foi batizado com o Espírito Santo e recebeu o dom de falar em línguas estranhas.

Quem acompanhou as duas fases de Rodolfo nota a diferença: "Conheci Rodolfo antes de virar crente e prefiro o seu jeito atual", endossa DJ Bob, parceiro do Rodox. Rodolfo recebeu ECLÉSIA para uma conversa exclusiva. Demonstrou estar muito à vontade em falar para uma revista evangélica. "É a primeira entrevista com perguntas diferentes", confidenciou, acrescentando que estava cansado de ver sua fé ser ironizada.

Você já foi discriminado devido à sua aparência ou seu passado?
Não. É uma coisa bem tipo assim, a igreja lá tem a doutrina, não tem nada que escandaliza, tem as irmãs do estreito [grupo de oração], mas o pastor não prega religiosidade. Ele prega comunhão com Deus, então é aquele negócio - se Deus aceitou todos nós, porque o homem não vai aceitar? Ou seja, lá, o pessoal não fica apontando. Não tem essa, se bem que eu não sou o protótipo do evangélico. Muita gente já tem um estereótipo do evangélico: aquele cara de terno, com a Bíblia na mão, pregando no ônibus. Não assiste

Como foi sua conversão?
Na real, eu me converti em casa. Convidei algumas irmãs do círculo de oração para fazer uma campanha, uma tarde de oração. Foi um círculo de oração. No começo, como eu disse, achei meio maluco, eu não conhecia nada. As irmãs orando em línguas, sendo tomadas pelo Espírito Santo. Aí eu, eita! Nunca tinha visto nada parecido, fiquei assustado, mas deu para perceber que era algo do bem, que estava tudo dentro da Palavra de Deus. Não foi algo que me bloqueou, pelo contrário, senti que aquilo era verdadeiro.

Você, como crente pentecostal, é batizado no Espírito Santo?
já rolou algumas vezes de eu orar línguas. Não acontece toda a vez, é uma coisa bem natural. Choro bastante na presença de Deus.

Rodolfo, você se considera um exemplo de atitude para os evangélicos?
Cara, não sou exemplo não. Seria muita vaidade da minha parte dizer isso. Eu nunca me preocupei em passar uma imagem que não tenho ou tentar parecer algo que não sou. Eu fui natural, realmente eu tenho Deus no coração e acho que isso é natural. Você sendo você mesmo, tendo a consciência limpa sem nada te condenando, não pode ter medo de nada, nem de tomar atitude nenhuma.

Como ficou seu relacionamento com sua família, após a sua conversão?
Melhorou cem por cento. Agora eu consigo olhar nos olhos; antes, eu era muito fechado.

No Raimundos, você cantava contra o sistema. Você pretende fazer isso também no meio evangélico?
Eu fui a várias igrejas e vi várias diferenças. Ninguém me julgou e também não vou ninguém. Acho que se a gente olhar para o homem, a gente vai se decepcionar. Sabe, ninguém é perfeito, se você encontrar algum [perfeito], pode ter certeza que ele é Jesus. Eu nunca fui para a igreja para olhar para o homem, para a religião. Vou para adorar a Deus, para orar e ouvir sua palavra. Sei que Deus opera, então é assim.

O que você gosta de ouvir na música evangélica?
Gosto de ouvir Diante do Trono e Cassiane. São as minhas preferidas. Quando estou em casa, ponho pra tocar, é bom. Quando vou a alguma igreja, tem sempre alguém cantando.

Foi difícil largar as drogas?
Você já ouviu aquela palavra na Bíblia que diz: "Entrega-me teus caminhos e eu endireitarei"? Então, foi só isso que eu fiz. Eu só buscava a Deus e as coisas boas iam acontecendo. No meio de um baseado, uma vez - eu continuava fumando depois de me converter -, acabou a vontade. Falei: "Esse é o último". Não tive problema nenhum. Não tive tentação de voltar, vi que aquilo foi tirado de mim.

Você tem recebido propostas para dar testemunho e cantar em outras igrejas?
De testemunhos tenho recebido várias. Outro dia, falei em Recife, para o grupo Surfistas de Cristo. Fui em muitas igrejas, mas para tocar fica difícil... É só pancadaria, meu som não se classifica como som evangélico, apesar de ser feito por um crente.

Muitas pessoas dizem que artistas convertem para buscas um novo público - no caso, o evangélico. Já disseram isso de você?
iria continuar a fazer o som que eu gosto e mudar um pouco a temática das letras. Quero falar do que eu vivo, e de como minha vida está diferente. Sofri muita perseguição, sim. O mundo é muito louco, aí. Desde que Cristo veio, os cristãos são perseguidos, está na Palavra. A Bíblia diz: "Por causa do meu nome, serão perseguidos." Então, isso acontece mesmo. Todo mundo assiste o filme de Jesus no Natal e se emociona, mas, seguir que é bom, ninguém quer, saqualé? Então é assim. Por mim, isso nem se tornaria público, é algo pessoal meu. Não precisava as pessoas fazerem tanto barulho, mas fizeram, não é.

Fonte: Revista eclésia (A Revista Evangélica do Brasil)

Van Halen - 5150 (1986)

2008-07-30T17:54:00.000-07:00

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Good Enough, o Eddie usa cordas de baixo na sua famosa Charvel Strat para "engordar" o timbre que ele consegue nessa música. Outro detalhe: ela foi a segunda música gravada pela banda para o "5150" e seus riffs já haviam sido mostrados ao Dave Lee Roth pouco antes dele sair do Van Halen.

Why Can't This Be Love, o Eddie é um workaholic: costuma levar trabalho para casa. Ora, seu estúdio fica atrás de sua casa, subindo um pequeno morro. Quando está inspirado, ele costuma levar ora uma guitarra, ora um teclado e, às vezes, usa o piano de cauda que tem em casa. No dia em que ele compôs a "Why Can't This Be Love?", ele levou seu Oberheim OB 8 para sua cama (!) e terminou a música por lá(!!). Depois, ele mostrou o que criou para a banda e a primeira pergunta que ouviu do Sammy foi: "Você não se importaria se eu seguisse a linha do teclado na hora do refrão?". Ele preferia que não, mas optou por não criar nenhum obstáculo àquele pedido. Engraçado notar é que o Ted Nugent, guitarrista amigo do Eddie, perguntou quando do lançamento do disco "5150" qual a guitarra e os efeitos que o Eddie nessa música, sem se tocar que o riff principal é de um teclado e não de guitarra. Outro detalhe: o Eddie gostou muito do que o Sammy fez na parte em que ele segue cantando por cima da parte do teclado, anterior ao solo, algo do tipo:
"Tchu ru tchu ru tchu ru
tchu ru tchu ru tchu ru uhararaur
tchu ru tchu ru tchu ru
tchu ru uhararaur. Whoa!"
Ele afirmou que dificilmente o Dave faria algo daquela natureza nessa música.

Get Up, música gravada com a famosa guitarra Steinberger Trans Trem.
Uma das músicas na qual o Diamond Dave trabalhou junto a banda ainda em 1985.

Dreams, o Eddie grava os teclados como fez em "Love Walks In", sozinho. Mas ele liga o Oberheim ao seu 1912 Steinway DENTRO DO ESTÚDIO e digitaliza o sinal de um no outro. Falei sobre isso no primeiro e-mail: o Werner escreveu isso só com o conhecimento de engenheiro e pelo que ele ouviu - e depois ele vem me dizer que não tem ouvido treinado para a música. Ora bolas! É claro que tem! Porque a Simmons? Ora, os caras precisavam ensaiar e se conhecer dentro do 5150 e o espaço do estúdio era mínimo para comportar a parafernália que o Alex usa/usava. Daí, ele optou por usar a Simmons porque era mais fácil de se controlar os graves (tons, surdos e bumbos). Só a caixa (snare drum) é que era acústica, bem como os pratos. Idéia do Alex e do Donn Landee. "Dreams" teve o famoso clipe dos 40 anos dos "Blue Angels"; uma espécie de Esquadrilha da Fumaça de lá, mas com muito mais know how e experiência. É claro que a nossa, atualmente, não deve nada, mas os caras usam jatos supersônicos, o que não é pouca "shit". A MTv adorou o clipe. Veja: o clip de "Dreams" no Whisky a Go Go é de 1991/1992 e é outra coisa; há um clip de "Dreams" sem que a banda apareça e é o dito que comemora o aniversário dos Blue Angels - é o bicho de bom. Outro Detalhe: O vídeo clipe de "Why Can't This Be Love" NÃO foi tirado do vídeo "Live Without a Net"; o Clipe de "Best of Both Worlds" foi retirado do vídeo oficial, mas a primeira música, não.

Summer Nights, Segundo alguns "insiders", essa música foi a que o Classic Van Halen mais trabalhou em 1985. O título provisório seria "Eat Thy Neighbor" e a melodia da voz é praticamente a mesma que se no que acabou recebendo esse título (Summer Nights). Outra música que o EVH usou a tal Steinberger na gravação.

Best Of Both Worlds, Marca definitivamente a era Van Hagar, essa música foi totalmente diferente de tudo que VH criou.

Love Walks In, o Eddie acorda no meio da noite e corre para o seu piano na sua sala de estar e grava uma melodia que lhe veio na cabeça no pequeno K7 que ele sempre mantém perto do mesmo piano. Dia seguinte, ele olha o dito gravador em cima do piano e não se lembra de que havia gravado algo. Então, ele liga o tape e ouve os primeiros acordes de "Love Walks In". Claro, ele adora o que ouve e fica inspirado logo de cara e acaba fazendo toda a música. Naqueles dias anteriores a paternidade, o Eddie costumava acordar por volta das 10:00/11:00 horas.Na hora da gravação da "Love Wlaks In" ele fica ISOLADO no estúdio e grava todo o teclado SEM o restante da banda. Parece brincadeira, mas não havia ninguém além dele. Quem pode testemunhar esse jeito exótico de gravação é o Donn Landee, engenheiro de som do disco e co-produtor junto com a banda e o Mick Jones. Lembre-se: o Mick Jones é o guitarrista do Foreigner. Naquela época, ele estava fazendo sucesso com a música "I Wanna Know What Love Is" ou algo similar; só sei que essa novela das 21:00 da Rede Grobo passa uma versão meio fraquinha dessa música; acho que a versão original era BEM melhor. Depois, na hora de se gravar o restante dos instrumentos, vai o Alex van Halen primeiro e grava a bateria usando o "click" - metrônomo - pela PRIMEIRA VEZ NA VIDA. Essa música foi bem em "first take", assim como a "Get Up", a "Summer Nights" (cujo título seria "Summer Nights and My Radio" - o restante do verso, óbvio) e a 'Best of Both Worlds'.

5150, ligação DDD da Califórnia para Nova York. 03:00 da manhã de setembro/1985. O Eddie liga para o Sammy para lhe mostrar uma música completa que ele acabara de compor. Eddie e Sammy ficam conversando sobre as possibilidades da nova música por quase 03 horas no telefone. O Sammy disse que ele teve que se esmerar para criar uma letra que não atrapalhasse em nada os riffs da música, pois seu andamento era tão perfeito (em sua opinião) que até poderia dispensar o uso de qualquer letra e, se fosse o caso, manter a música como instrumental.
O Eddie usa na gravação a sua famosa Gibson Flying V "Hot for Teacher", porém utiliza uma guitarra diferente no solo: provavelmente trata-se de uma Kramer, embora não se saiba o modelo específico. Nem o próprio Eddie se recorda. Eu me lembro que a primeira Kramer que ele recebeu da fábrica foi uma Pacer branca com tremolo Rockinger.
PS.: O nome Kramer Guitars, hoje, pertence a Gibson Guitars.

Van Halen - 1984 (1984)

2008-07-30T11:42:00.000-07:00

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1984, o trecho de teclado contendo pouco mais de 01 minuto (editado) foi gravado num momento de relaxamento do Eddie dentro de seu estúdio. O Donn Landee aproveitou que o Eddie estava brincando com seus teclados e gravou-o executando aquela peça ainda sem título. Foram aproximadamente 31 minutos de gravação. O título da música e do álbum (1984) foram sugestões da esposa do Eddie, Valerie Bertinelli em referência ao livro do George Orwell - 1984. O Edward foi diminuindo o tamanho da peça por conta do pedido dos outros membros da banda, até chegar ao tempo que ficou registrado no disco.

Jump, "Jump" foi composta pouco tempo depois de "Sunday Afternoon in the Park", instrumental do disco "Fair Warning", música anterior a "One Foot Out the Door". Nesse primeiro momento, os outros membros da banda NÃO gostaram da música. Isso ocorreu em 1981. Só que em 1983 o Eddie novamente mostra a música e TODOS da banda gostam dela. Melhor assim, de acordo com o velho ditado: "Antes tarde do que nunca". A música que o Dave não queria incluída no "1984" era a "I'll Wait". Houve pressão do Eddie e do Donn Landee e o Dave cedeu e aceitou a inclusão dessa última.

Panama,
1) Inspiração do Eddie para compor "Panama": AC/DC - é que ele assistiu ao show do AC/DC no "Day on the Green Festival" no qual o Van Halen abriu para a banda dos irmãos Young.
2) Panama Express - Esse é o nome do Hot Rod no qual o Dave se inspira para escrever a letra - Isto quer dizer que ele escreve sobre carros rápidos, ao contrário do que se pensou inicialmente que ele escrevia sobre garotas (as usual!). Acho que ele combina as duas - o que é aliar o útil ao agradável. Hehe!
3) Música gravada em first take.
Após o solo, pode-se ouvir o ronco da Lamborghini Countach LP 500S 1972 de propriedade do Eddie. Eles esticaram microfones e colocaram o ronco do escapamento no trecho em que o Dave fala algo do tipo: "... I can barely feel the road from the heat coming off...".

Top Jimmy, a letra de "Top Jimmy" faz menção ao líder da banda Top Jimmy and the Rhythm Pigs, banda de blues do cenário de Los Angeles. Essa banda lançou um disco em 1987 entitulado "Pigus Drunkus Maximus". O Eddie usou a Ripley Stereo Guitar nessa música.

Drop Dead Legs, esta música foi gravada pelo Donn Landee tendo apenas o Eddie e o Alex no estúdio. No dia seguinte é que o Dave, o Mike e o Ted Templeman tomaram conhecimento do que os irmãos Van Halen haviam feito na noite anterior.

Hot for Teacher, o Eddie testa mais ou menos umas 07 guitarras diferentes até optar pela Gibson Flying V. É que ele queria que a transição entre as partes pesadas e as partes suaves da música "Hot for Teacher" pudesse acontecer sem nenhuma distorção, interferência sonora, microfonia. E isso ele só conseguiu com a Flying V. Dai em diante essa guitarra passou a ser conhecida como a "Hot for Teacher" Flying V. Ele a usa novamente em "Top of the World" do F.U.C.K. (1991).

I'll Wait, A letra de "I'll Wait" diz respeito a uma guria que aparece numa propaganda da Calvin Klein usando uma CUECA. No "BOBW", finalmente, fizeram menção de citar o nome do Michael McDonald (vocal dos Dobbie Brothers) como co-autor da música. Na verdade, a participação dele é menor, mas foi ele quem deu a sugestão ao Dave Lee Roth para criar a letra da música em questão. Pode parecer bobagem, mas a "I'll Wait" por muito pouco não ficou de fora do disco "1984", sobrando como leftover, o que seria uma pena, pois ela é uma música maravilhosa (em minha opinião) e por conter um solo magistral. A história diz que o Eddie mostrou a música na mesma época em que a banda 'redescobriu' a música "Jump" ("Jump" foi composta em 1981). Como todos passaram a gostar de "Jump", o Eddie resolveu mostrar outra música que era "keyboard oriented", mas o Ted Templeman e o Dave foram contra a nova música desde o início. Então, o Eddie terminou a nova música, gravou com seu irmão. Novamente, expôs a música ao Ted Templeman e ao Dave. Nova rejeição. Então, ele ameaçou: ou vocês aceitam essa nova música, ou eu retiro "Jump" do disco. Desde o início tanto o Eddie como o Donn Landee, engenheiro de som, eram apaixonados pela música.

I'll Wait": antes de escrever a letra, o Dave colou o anúncio da Calvin Klein no qual a modelo aparece vestindo uma cueca na sua Televisão Sony Triniton e ficou admirando-a durante um booooooooom tempo.

Os efeitos, tanto para "Jump", quanto para "I'll Wait" foram feitos pelo Eddie e retirados de sua cabeça, por meio de tentativa e erro. Ele ia experimentando até encontrar o timbre que lhe agradasse. O teclado Oberheim OB-Xa foi gravado em estéreo, passando um monte de efeitos que nem o Eddie se recorda quais eram esses efeitos. O Eddie gravou o teclado de "I'll Wait" sem ouvir absolutamente nada do que tocava, pois ele ficou no hall do estúdio 5150 (o estúdio era bem pequeno, no início), já que os dois, Eddie e Alex, e seus respectivos instrumentos não cabiam na mesma sala. O Eddie se recorda de ter plugado o OB-Xa numa parede de amplificadores Music Man apenas para dar outra uma diferenciada do timbre encontrado para "Jump".
o baixo de I'll Wait é .... humm ... meio nulo. Tipo, não existe... .
Parece que o teclado cobre toda a freqüência grave.

Girl Gone Bad, Eddie teve a inspiração para essa música na viagem feita a América do Sul pela turnê "Hide your Sheep - South America Tour" em 1983. Ele estava hospedado em um hotel no Rio de Janeiro e compôs a música toda dentro do banheiro de sua suite, apenas para não acordar a sua esposa que dormia no quarto. Antes de ser lançada no disco "1984", a banda tocou uma parte instrumental dessa música no famoso concerto "US Festival". Para a apresentação nesse festival, o Van Halen recebeu o maior cachê já pago para uma banda de Rock à época - cerca de US$ 1.000.000,00.

House of Pain, Mais uma música do demo do Van Halen de 1976, Uma música que mostra a capacidade dos integrantes, com um riff destruidor de Eddie.

Van Halen - Diver Now (1982)

2008-07-30T09:58:00.000-07:00

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Where Have All The Good Times Gone, cover dos The Kinks, também escrita por Ray Davies (assim como "You really Got Me"). O Eddie erra feio o solo, mas esse solo já existia e foi retirado de uma música nunca lançada em álbum pela banda e entitulada "Young and Wild" - essa música (Y&W) fez parte da sessão de gravação do "Van Halen I". Já excursionando pela turnê do "1984", o Eddie ouve pelo rádio a versão do Van Halen para "Where have...!" e sentencia: "Eu não afinei a guitarra e ela está fora do tom!". Só o Eddie.

Hang 'Em High, parte da letra dessa música pertenceu a outra composição da banda entitulada "Last Night" e que esteve cotada para entrar para o disco "Van Halen 1". Tal composição foi gravada na demo tape de mais de 30 músicas quando da contratação do Van Halen pela WB em 1977.

Cathedral, O Eddie usa uma Fender Strat 1961 mais um chorus e echo, como efeitos. Ele fica "martelando" as notas no braço (mão esquerda) e, simultaneamente, usando o botão de volume (mão direita) com certa velocidade para fazer aquele som similar a órgão de igreja ou catedral. Para essa música foram feitos dois takes; no segundo o botão do volume quase "congelou", parou de movimentar e o primeiro take foi o que valeu.

Secrets, Sem dúvida, o "Diver Down" é um bom disco. Eu não o colocaria como o melhor da banda, mas existem momentos nele que são marcantes. Exemplo: "Secrets" seria lançada no disco "Fair Warning", mas ficou para o "DD". Que letra maravilhosa! Seu título inicialmente era "Looking Good". Mas não critique os novos fãs: quem gosta de Van Halen tem que começar de algum lugar e nem sempre é possível conhecer o primeiro disco logo de cara, Inspiração da letra: O Dave lê um monte de cartões de "Felicidades", "Parabéns", "Melhoras" e por ai vai - curiosidade: um dos cartões dizia: "May your moccassins leave happy tracks in the winter snow". O Eddie usa um Gibson de dois braços (Doubleneck) sendo o primeiro com 12 cordas e o segundo com as 06 cordas. Ao vivo, ele usa uma Kramer Custom Doubleneck com partes de Alumínio. A headstock dessa guitarra da Kramer é em formato de "V".

Intruder, a "Intruder" só existe por conta da exigência da Warner Bros. em fazer um video clip para a música "(Oh!) Pretty Woman". O Eddie, bêbado, recebe uma ligação de que havia a necessidade de se gravar uma pequena introdução para a "Pretty Woman" e ele, sem inspiração nenhuma, pega seu carro (se não me engano, uma Porsche 928 cinza) e parte para o Amigo Studios em Los Angeles. Lá ele resolve usar o pequeno teclado Minimoog e a sua peça principal (Charvel Strat) e fica esfregando a lata de cerveja que ele bebia nas cordas da guitarra ("Aroooo! Aroooo! Aroooo!"). Daí, o resto é história.

Oh, Pretty Woman, esse cover foi o motivo pelo qual a Warner Bros. exigiu da banda a gravação de mais músicas para a composição de um novo álbum. Com a inclusão de "Intruder" a acrescentar um início a composição de Roy Orbinson, a Warner providenciou a gravação de um Vídeo Clip. Só que tal clip foi banido da televisão americana, japonesa e australiana. A idéia de gravar "(Oh) Pretty Woman" foi de Eddie. O engraçado acerca da música é que a banda (leia-se Eddie) errou e esqueceu de incluir todo uma estrofe da música apenas porque o Eddie achava que a música ERA daquele jeito que ele tocou. Uma das poucas músicas da banda sem solo. Detalhe: alguém saberia dizer o porquê da palavra "MERCY" que, tanto o Roy Orbinson e o Dave cantam bem no início da música, antes de voltar a segunda estrofe?
Resposta: A palavra "MERCY" que aparece antes da 2ª estrofe foi criada pelo próprio Roy Orbinson (autor da música) dentro do estúdio, quando da gravação da versão original de "(Oh) Pretty Woman". O negócio por trás desse termo é que o Orbinson já não aguentava repetir a gravação e pediu "Piedade - Mercy". Tudo o que ele queria era acabar com a gravação da música em questão, após exaustivas 15 repetições. Abraços.

Dancing The Street, hit de 1964 de Martha and The Vandellas. O Eddie usa em uma base perceptível do início ao fim da música um sintetizador Minimoog em conjunto com sua Strat e um Echo como efeito. A outra base aparece como over dub. Mas a primeira base citada foi motivo de discórdia: ela foi criada para uma música da própria banda e, por imposição do Ted Templeman (e um pouquinho do Dave), foi inserida em "Dancing in the Street". Eis um dos motivos principais para o Eddie criar seu estúdio em sua própria casa. Agora: que belo solo aquele que ele faz nessa música. Caramba, é de arrepiar! Pouco tempo depois, David Bowie e Mick Jagger, juntos, regravam a mesma música e lançam um vídeo clip muito estranho! NARF!

Little Guitars, Intro: esta peça musical foi tocada num violão com cordas de nylon e não possui nenhum overdub. Foi inspirada como se fosse uma continuação a "Spanish Fly". O Eddie assistia televisão e viu um violonista chamado C. Montoya usando essa técnica; ficou fã do cara e comprou todos os seus discos e procurou tocar algo semelhante.

A inspiração da letra veio da observação da guitarra pequena que o Eddie usou para a gravação de suas partes no Estúdio. A opção pelo termo "Señorita" veio por conta da impressão meio hispânica que a guitarra causou ao Dave. O Eddie usa uma réplica de uma Les Paul miniaturizada por um Sr. de nome Dave Petschulat, que o presenteou quando da passagem do Van Halen pelo Tennessee. O Eddie teve a inspiração para a música durante a fase final da Turnê do "Fair Warning 1981" e a compôs (na verdade, parte dela) na parte de trás do ônibus da banda.

Big Bad Bill, a idéia de gravar o cover de "Big Bad Bill" foi do Dave que ouvia em seu Walkman Sanyo uma rádio de Louisville (Kentucky) e sintonizou na hora em que rolava a versão original de "BBB". Então, ele chama os outros membros da banda e diz: "That's bad. Let's do it." Pintou a dúvida em relação ao clarinete que aparece na música e o Dave não titubeou: "We'll get your old man to play it". Ora, o Eddie e o Alex ficaram super alegres e chamaram o pai deles, Sr. Jan Van Halen. O Sr. Jan, a princípio, não gostaria de participar, mas os irmãos convenceram-no a se divertir e fazer o melhor possível. Eis as limitações do Sr. Jan: perdeu o dedo médio da mão esquerda, não tocava há vários anos e usava prótese (dentadura), o que atrapalhava muito o sopro na palheta do instrumento. Diga lá, Eddie: "We'd had a great time. It was fun as shit. It looked like an old 30's or 40's sessions."

The Full Bug, o violão na introdução da música e a harmônica (gaita) após o solo de guitarra do Eddie são partes executadas pelo Dave Lee Roth. De acordo com o mesmo Dave, "The Full Bug" significa sucesso - se você quiser alcançar um objetivo qualquer na vida, você tem que se esforçar - dar tudo de si para conseguir vencer. No caso da música, o objetivo do Dave é mostrar para a garota a melhor parte de um homem.

Happy Trails, o Van Halen já interpretava "Happy Trails", mas o momento mais memorável é o show em Pasadena/CA no Pasadena Civic Auditorium, em 1976. Inclusive, há o registro do cover na demo tape do Van Halen para a WB em 1977, apenas como uma tremenda brincadeira. "Happy Trails" era tema do seriado de faroeste americano, estrelado por Roy Rogers e Dale Evans (autor da composição) nos anos 50 e começo dos anos 60.

A capa:
A capa do "Diver Down" foi idéia do Dave. A foto da contracapa mostra a banda num show em Orlando/FL no Tangerine Bowl (Turnê do "Fair Warning" - 1981). Quem tem o disco em vinil possue o encarte com centenas de fotos bem pequenas e muito curiosas.

Van Halen - Fair Warning (1981)

2008-07-29T17:34:00.000-07:00

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Mean Street, o início dessa música diz respeito a técnica de baixistas de funk americano e que tanto encantavam o Eddie nos anos 70 e anos 80. A música "Mean Street" é o resultado da junção de 02 outras músicas antigas da banda: "Voodoo Queen" e She's the Woman"; ambas estavam na demo tape da banda para a Warner Bros. quando da contratação da banda em 1977.

Dirty Movies, na gravação de "Dirty Movies", o Eddie usa uma Gibson SG com braço da Les Paul Jr. A letra se refere a uma garota programa que se torna rainha pornô do dia para a noite. Essa é a segunda música na qual o Eddie usa Slide; a primeira vez foi em "Could This Be Magic?" do "WACF", o álbum anterior de 1980. Se alguém já prestou a atenção na letra irá lembrar que o Dave diz como a guria em questão consegue o grande contrato para se tornar "estrela" - na traseira de uma limusine ("Got a big deal in the back of a limo").

Sinner's Swing!, tai uma música que não possui muita história conhecida. Uma pena! Gosto muito do riff e do andamento de toda a música. A letra, como sempre, é muito engraçada.

Hear About It Later, esta música foi escrita originalmente no teclado em 1980. Depois é que teve seu riff transferido para a guitarra. Engraçado é ouvir o Eddie dizer que compor música no piano é a coisa mais fácil para ele. "Hear About It Later", juntamente com "So This Is Love?" e "Unchained" viraram vídeo clips e foram utilizados a exaustão pela Warner Bros. porque as vendas do disco estavam fracas. A verdade é que todos os shows da turnê do "Fair Warning 1981", também conhecida como "W.D.F.A. - We Don't Fuck Around Tour", foram gravados a mando dos executivos da WB para virarem o possível primeiro vídeo oficial da banda.

Unchained, esse é um dos riffs mais conhecidos do Van Halen. Sim, essa música poderia ter sido o hit que a Warner Bros. tanto queria para alavancar as vendas do disco "Fair Warning", mas, me respondam: esse riff hiper pesado pode ser considerado "pop"? Nunca. Durante todo os anos 80, essa foi uma das músicas mais executadas nas rádios dos EUA. Pura ironia! O Eddie escreveu esse riff e a música toda numa das sessões de gravação do álbum, por volta dàs 03:00/04:00 da manhã, no Sunset Sound Studio. "Unchained" mostra a única contribuição vocal do Ted Templeman ao pedir que o Dave desse um tempo - "Come on Dave, give me a break!" Isso foi algo totalmente espontâneo e a banda gostou do resultado. Completando: outra música inicialmente escrita no teclado e depois passada para a guitarra.

Push Come To Shove, o Dave pede ao Eddie para criar uma música que tivesse uma pegada meio Reggae. O resultado foi "Push Comes to Shove". A explicação do Dave era tentar aproveitar a onda de reggae que ganhou o mundo no início dos anos 80. O maravilhoso solo do Eddie foi gravado após exaustivas 23 repetições por exigência do produtor Ted Templeman. O Ted Templeman nunca estava satisfeito com o que o Eddie tocava; acontece que o Eddie repetia a mesma coisa o tempo todo. Então, numa madrugada qualquer em 1980 o Eddie grava novamente o mesmo solo, tendo ao seu lado o engenheiro Donn Landee. Depois, o Eddie e o Donn mostraram o resultado ao produtor que o achou maravilhoso. Vai entender.

So This Love?, esta música foi o único single lançado pela banda para o disco "Fair Warning". O detalhe curioso acerca dessa música se refere a história de como foi composto o solo tocado pelo Eddie. Após algumas execuções sem sucesso, o Eddie deixa o estúdio. Mas o engenheiro Donn Landee fica por lá e "edita" 04 a 05 solos executados pelo Eddie e os reune em um único solo. Daí, no dia seguinte ele mostra ao Eddie que adora a idéia do solo feito com partes previamente gravadas. O Eddie "aprende" o que está gravado e executa o solo montado com partes descartadas. O resultado é a pintura que está gravada em "So This is Love?".

Sunday Afternoon In The Park, o Eddie usa um pequeno teclado de brinquedo, daqueles de criança mesmo. Eis o nome do teclado: Electro Harmonix. Daí, ele filtra o som desse teclado no bom e velho Minimoog e cola uma das notas no som do bumbo da bateria do Alex Van Halen. "Sunday Afternoon in the Park" é/era uma homenagem do Eddie a sua esposa, a atriz Valerie Bertinelli, por ocasião do casamento dos dois ocorrido em Abril/1981. Durante a turnê do disco "F.U.C.K.", o Michael Anthony utiliza essa música em seu solo de baixo. Por incrível que possa parecer, "Sunday..." é a semente para a criação de "Jump", composta pouco tempo depois dessa instrumental. Whoa!

One Foot Out The Door, De acordo com entrevista do Ted Templeman em 1991, quando do lançamento do disco "F.U.C.K.", a música e a letra de "One Foot Out the Door" se referem a situação da banda com relação a gravação dos discos da mesma. O que isso quer dizer? Ora, a banda sempre gravada tudo meio que na pressa, sem tempo de corrigir possíveis erros ou mudar algo para abrilhantar a música antes do lançamento de qualquer disco. Diz o Ted Templeman que essa música fala a respeito da pressa dos executivos da Warner Bros. em verem a banda terminando a gravação dos discos e correndo para lançar e tocar ao vivo, sem tempo para descanso. Um verso em particular se refere a esse ponto:
- "Ain't no magic for your Mean Old Man
and I think it's time to roar
Got one foot out the door
Got one foot out the door..."
O tal "Mean Old Man" é o Ted Templeman controlando o Van Halen dentro do estúdio.

Van Halen - Women And Children First (1980)

2008-07-29T17:12:00.000-07:00

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And The Cradle Will Rock, esta música marca a primeira experiência do Van Halen no uso de teclados (de maneira integral) em uma música da banda. O Eddie comprou, durante a turnê do disco "Van Halen 2", um velho piano elétrico de nome Wurlitzer em Detroit/MI. Daí, foi só ligá-lo ao seu Marshall e o resultado é o que se ouve. Muita gente, inclusive famosa, até hoje acha que aquele som é de guitarra. Essa música foi um trabalho de paciência, principalmente entre o Eddie e o Alex. Eles ensaiavam no porão da casa dos pais do Dave e levaram mais ou menos 02 semanas para terminar "And the Cradle Will Rock...". Foi algo do tipo 90% de transpiração e 10% de inspiração. Mas o Eddie disse que ele e o irmão gostavam de ensaiar sozinhos apenas pelo prazer de tocar alto.
Eis um trecho do diálogo do Ted Templeman e do Eddie quando esse último mostrou essa música para o produtor do disco:
TT - "Hey, what the f**k is this?
EVH - Well, it's just me f**king around, trying to find something new, different..."
TT - Kind of cool."

Everybody Wants Some!!, essa é uma das músicas do Van Halen mais conhecidas em todo o mundo. Se nos discos anteriores o Dave já se exibia, no "WACF" ele se excedeu: o rótulo de "Party band" passou a ser incorporado ao grupo com mais ênfase após o lançamento do 3º disco. É que o Dave se dá conta de ter se tornado um "sex symbol" mundial. A introdução que o Eddie faz em "Everybody Wants Some" usa a mesma técnica de "Atomic Punk", com algumas diferenças, é claro. A parte final da letra dessa música é um capítulo à parte: o Dave chega ao estúdio e não tem os versos da última estrofe prontos e acaba improvisando.

Fools, esta música já era sucesso ainda nos tempos de "Club Days". Há informações de que "Fools" já era tocada desde 1974 quando a formação do Van Halen contava ainda com o baixista Mark Stone. O primeiro título dessa música era "I Live With Fools". A introdução que o Eddie fez para a música nasceu de algo espontâneo, feito na hora em que sua parte era gravada no estúdio.

Romeo Delight, grande parte do que se ouve em "Romeo Delight" foi retirada de outra música da banda e que fez parte da demo tape que o Van Halen gravou para a Warner Bros., com vistas a escolha do repertório que mais tarde compôs o disco "Van Halen I". O nome da antiga música era "Get The Show On The Road". "Romeo Delight" é apontada como uma das músicas favoritas do público durante a turnê do "Women and Children First", turnê conhecida como "Invasion Tour". Há uma certeza quase absoluta de que o Eddie usou a maravilhosa e única Ibanez Explorer na gravação dessa música. Quem tiver o show do US Festival (1983) poderá notar que o Diamond Dave esquece parte das letras durante o show e berra: "I forgot the fucking words", durante parte da segunda estrofe. Aquela sensação de coração pulsando após o solo foi feita, em parceria, pelo Eddie e Michael Anthony.Romeo Delight" é uma música que claramente mostra a influência do Led Zeppelin na vida do Alex Van Halen. A sua "pegada" nessa música dá a impressão que o próprio John Bonham estaria tocando.

Tora! Tora!, inicialmente, o Eddie queria que essa instrumental do "WACF" se chamasse "Act Like It Hurts". Mas a decisão em comum acordo foi optar por "Tora! Tora!". É que o Dave, no início de "Loss of Control", fica imitando uma comunicação via rádio e fica pedido ajuda com os "Mayday! Mayday!". Então, seria mais fácil a assimilação do título com algo ligado a aviação. O que se ouve no início da música é o som da guitarra em "backwards" (gravação ao contrário). Pode parece bobagem, mas "Tora! Tora" possui letras: aqueles berros (Ahhhhhhhhhhhhh! Ahhhhhhhhhhhhh! Whooooo!) foram considerados como letras para a música - dai o dilema: é instrumental ou é música com letras? Eu digo que ela é muito boa.

Loss Of Control, esta música foi composta exatamente no mesmo dia em que "Ain't Talkin' "Bout Love" veio ao mundo. Só que, por opção da banda e do produtor, ela sequer foi gravada para a Demo Tape do primeiro disco da banda. A letra é bem simples, mas o instrumental é uma porrada na orelha. É fato, mas muito pouco conhecido, que a banda gravou um vídeo clip para essa música. Todos da banda aparecem vestidos em roupas de médico. Infelizmente, esse vídeo nunca foi lançado. Outro pequeno detalhe, antes que eu me esqueça: assim como "Ain't Talkin' 'Bout Love", "Loss of Control" é meio que uma crítica ao movimento Punk nos EUA.

Take Your Whiskey Home, essa é uma música bem antiga do Van Halen. Há relatos de que ela tenha sido criada ainda em 1974. As versões mais antigas não possuem a maravilhosa introdução acústica gravada no disco "Women and Children First". Essa música mostra a completa interação de toda a banda no período em que o disco foi gravado. A música não possue overdubs de guitarras e o Eddie se esmera nos solos. Eu, particularmente, amo essa música. Na verdade, eu amo esse disco todo, do início ao fim.

Could This Be Magic, eis ai uma música que não recebe todos os créditos que deveria, em minha humilde e simples opinião. Grande interação entre o Dave e o Eddie. O produtor Ted Templeman sugeriu a participação de Nicolette Larson e convocou-a de um estúdio ao lado do que o Van Halen estava gravando o disco "Women and Children First". O resultado pode ser ouvido no verso do refrão, logo após o solo do Eddie. A Nicolete canta com o Dave e marca a primeira participação de uma voz feminina em uma música da banda. Um outro detalhe que pode escapar aos ouvidos desatentos: o Eddie inicia o seu solo nessa música e o Dave agradece. É por isso que eu digo e repito: o lugar do Dave é ao lado do Eddie; o lugar do Eddie é ao lado do Dave, ambos no Van Halen.

In A Simple Rhyme, outra bela música composta ainda nos tempos de "Club Days" do Van Halen. A bela introdução executada pelo Eddie foi algo composto dentro do estúdio, o que quer dizer que não fazia parte da música até aquele momento. O Eddie Van Halen usa uma guitarra de 12 cordas. Mais tarde ele usaria essa mesma guitarra na gravação de "Josephina" do disco "Van Halen 3" (só a introdução, também). Eu acho essa música de uma beleza ímpar. Não é todo dia que se ouve uma música simples e cheia de levadas diferentes durante o seu andamento. Mas todas as levadas parecem seguir uma cadência que só o Van Halen saberia compor. Eu acho que ela possue uma bela letra.

Van Halen II (1979)

2008-07-29T16:53:00.000-07:00

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You're No Good, por que iniciar-se um disco, o segundo da melhor banda do universo, com uma cover? A idéia foi do produtor, Ted Templeman, vez que a banda queria que Dance the Night Away foi a privilegiada. Segundo o produtor, o apelo comercial era mais forte em DTNA e ele optou por uma música um pouco mais pesada e diferente. Essa música de Clint Ballard Jr. já fora gravada anteriormente por muitos outros artitas, mas a versão que o Van Halen teria copiado seria a versão gravada por Linda Ronstadt (quem quiser ouvir tal versão, recomendo assistir ao filme “Love Potion no. 09 – Poção do Amor nº 09”, que tem a Sandra Bullock, em começo de carreira, no elenco). O detalhe é que o Van Halen só teria ouvido a essa música algumas poucas vezes nas rádios e a versão deles acabou sendo completamente diferente da que a Linda gravara. Melhor assim. A introdução de baixo fazia parte do solo de baixo que o Michael Anthony estava trabalhando à época.

Dance the Night Away, o título inicial de Dance the Night Away era “Dance, Lolita Dance”. A sugestão de mudar o título para o que ficou conhecido partiu, do Eddie que convenceu o Dave, que acabou aceitando e mudando o refrão da música. A inspiração musical veio de uma música do Fleetwood Mac chamada “Go Your Own Way”. Engraçado é que o Eddie deixou a versão final sem um solo, a não ser aqueles harmônicos que ele faz no meio da música. A banda compôs DTNA numa tarde de brincadeira dentro do estúdio. Detalhe: esse foi o primeiro grande sucesso da banda e esteve em 15º lugar na BillBoard em Julho/1979.

Somebody Get Me a Doctor, outra música que a banda gravou para a Warner Bros. na famosa Demo Tape do grupo para a gravadora. “SGMAD” foi escrita na mesma época que “Runnin’ With the Devil” e era tocada nos tempos do Club Days da banda, só que com um começo um pouco diferente da versão do segundo disco. Não sei se alguém já se atentou para o fato de que há uma série de aplausos direcionados ao Eddie quando este termina o solo de SGMAD. Aqueles aplausos seriam uma prova espontânea da genialidade do guitarrista, vez que seu desempenho teria impressionado a todos ao ponto de começarem a bater palmas para o músico. Woo! Wee! Hail to Eddie Van Halen!

Bottoms Up!, antes de iniciar-se no circuito de shows em bares e afins, o Van Halen tocava em qualquer lugar: comícios, festas de aniversário, colégios, ao ar livre, lugar coberto, não importa. Bottoms Up! é uma dessas preciosidades que a banda tocava há muito tempo. Ela servia de encore para a banda retornar ao palco e tocar novamente, quando a banda saiu em sua primeira turnê mundial, em 1978 – em suporte ao primeiro disco. Quase ia me esquecendo: essa música teve as bases gravadas com a famingerada e maravilhosa Ibanez Explorer, também conhecida com a Shark Guitar – os solos foram gravados com a Frankenstrat. Roth On!

Outta Love Again, essa música foi uma das primeiras músicas escritas por Eddie, Alex e Dave no início de 1973, pouco antes do Mike entrar na banda. As bases foram gravadas com a Frankenstrat, mas o solo foi gravado com a utilização da Ibanez Explorer, mesmo sem ter overdub de guitarras. Eu gosto do início dessa música; aquele zumbido de abelha é muito engraçado e mostra outra face do Eddie: o criador de sons imitando animais e insetos! Woo! Hoo!

Light Up The Sky, assim que o disco “Van Halen II” saiu e a turnê de suporte do mesmo se iniciou, “Light Up the Sky” era a música de abertura dos shows. Diz o Eddie que ele criou as bases dessa música logo após a banda ter terminado toda a gravação do primeiro disco. Só que o arranjo final só foi conseguindo dentro do Sunset Studio, local de gravação dos 04 primeiros discos da banda. Por falar nisso, foram gastos entre 10 a 15 dias para a completa gravação desse maravilhoso disco, embora apenas 06 dias sejam creditados em alguns informes.

Spanish Fly, O Ted Templeman, em fins de 1978 e durante os dias de pré-produção para as gravações do disco “Van Halen II”, convida o Eddie para passar o reveillon na casa dele, no dia 31.12.1978. Chegando na casa do produtor, o Eddie fica sentado no sofá da casa do Ted e vê um violão dando mole e pega o instrumento e fica brincando. O Ted Templeman ouve aquilo lá da cozinha dele e fica espantando. Retornando a sala ocorre o seguinte diálogo:
Whoa! You can play acoustic guitar?
- Sure. It got 06 strings. It’s note really any different. It’s a guitar!
O Ted Templeman pergunta se ele poderia compor algo acústico para ser lançado no segundo disco e o Eddie responde que sim e cria “Spanish Fly”. O Eddie usa um violão Ovation com cordas de nylon para a gravação. Traços flamencos no estilo do Eddie; até John McLaughlin elogiou essa peça musical! Foram feitos 02 ou 03 takes para essa música; o Eddie não se lembra ao certo quantas vezes ele gravou SF no estúdio. Uma curiosidade: não sei se os outros amigos membros da Comunidade se atentam para detalhes escondidos nas músicas como eu faço, mas no final de “Spanish Fly”, dá para se ouvir um som de respiração meio alto; na verdade, aquele som é o Eddie tragando um cigarro e soltando a fumaça.

D.O.A., esse é um dos riffs mais pesados desse disco. Simples, mas eficiente com uma boa música do Van Halen costumava ser naqueles dias. D . O . A. foi escrita ainda nos primórdios da banda, quando o Van Halen ainda não fazia o circuito profissional de shows em sua área – antes de se apresentar para ganhar dinheiro, a banda tocava em festas e bares, bastando ter rango, bebida e gente para conhecer a sua música.

Women In Love, a letra de “Women in Love” diz respeito a um sujeito que perdeu a namorada para outra mulher (!). Em uma Demo Tape gravada pela banda no meio da década de 70, aparecia uma música cujo título é bastante semelhante – Woman in Love. Só que entre uma e outra, o máximo de semelhança sempre será essa relativa ao título, vez que letra e música são BEM diferentes. O Eddie usa uma técnica de falsos harmônicos na introdução dessa música.

Beautiful Girls, junto com “Dance the Night Away”, a música “Beautiful Gils” foi lançada como single do Van Halen II. O título original e que apareceu na famosa Demo Tape da Warner Bros. de 1977 era “Bring on the Girls”. O título foi alterado e o refrão incorporou as novas palavras, e quase toda a letra permaneceu inalterada.

Van Halen I (1978)

2008-07-29T16:23:00.000-07:00

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Runnin' With The Devil, Inicialmente, essa música não possuía as buzinas que aparecem no começo da mesma. Essas buzinas foram retiradas da música “House of Pain”, que só fará parte de um disco do Van Halen em 1983, quando da gravação do álbum “1984”. Durante os shows da banda, ainda antes de assinar com a Warner Bros, o Van Halen utilizava as buzinas entre uma música e outra (RWTH e HOP). Essas buzinas foram gravadas e o tape teve a velocidade diminuída para introduzir a banda (tais buzinas foram retiradas de um Volvo, uma Mercedes Benz e um VW). Uma das poucas músicas do disco “Van Halen” que possuem overdubs de guitarras, pois praticamente todo o disco teria sido gravado mais ou menos ao vivo. Diz o Dave que a inspiração para criar a letra de RWTD veio da música “Running from the Devil” da banda Ohio Player.

Eruption, essa peça musical NÃO estava prevista para ser gravada no primeiro disco. Ocorre que o Eddie estava se aquecendo para o seu solo de guitarra num show que seria realizado no Whisky a Go Go nas semanas seguintes ao processo de gravação do disco no Estúdio Sunset Sound, em Hollywood/CA. O Ted Templeman, produtor dos 6 primeiros discos da banda (e do disco F.U.C.K., também) entrou no estúdio e perguntou o que era aquilo que o Eddie estava fazendo. O Eddie explicou que era o seu solo para o show supracitado e o Ted reagiu com as seguintes palavras: “Shit, man. Roll the tape. Let’s put it on the record”. O Don Landee (engenheiro de som) é creditado como co-responsável pelos efeitos colocados em Eruption. Diz o Eddie que ele fez 02 ou 03 takes, mas o Don Landee e o Ted Templeman só se recordam de ter gravado 01 take. Detalhe: o final bombástico foi criado por meio da utilização de um pedal Univox EC-80 colocado numa engenhoca que o Eddie comprou de segunda mão numa espécie de “garage sale” e que era da época da 2ª Guerra Mundial. Só vendo uma foto para a pessoa acreditar no tamanho do trambolho

You Really Got Me, uma das centenas de cover que o Van Halen tocava na época do seus Club Days. Esse foi o primeiro single da banda, mesmo sendo cover dos Kinks. Então, por que a Warner Bros. resolveu lançar uma cover como primeiro single? Simples: o Eddie cometeu a besteira de mostrar uma fita K7 com algumas gravações do disco a ser lançado, ainda em 1977, para alguns membros da banda Angel. Nessa fita, estava a versão do Van Halen para “YRGM”. Os caras do Angel, por meio de um produtor meio sacana, correram para um estúdio e resolveram gravar “YRGM” e tentar lançar antes do VH. O azar deles foi que o engenheiro que auxiliou na gravação conhecia o pessoal da Warner e avisou o que estava rolando. O Eddie utilizou a guitarra Ibanez Explorer, conhecida como “Shark” na gravação dessa música e também em “On Fire” e “Jamie’s Cryin’” (apenas as bases).

Ain't Talkin' 'Bout Love, a parte do solo dessa música foi gravada com a utilização de uma cítara (Coral electric sitar). Engraçado é que o Eddie não sabia que se tratava de uma cítara. Essa música foi escrita na mesma época que “Loss of Control” (gravada no Women & Children First) e era meio que uma provocação ao movimento punk daquela época. Tanto é que o Eddie só usa 02 acordes: Am e G. Durante 06 meses, o Eddie ficou escondendo esta música dos outros membros da banda por achá-la muito simples e fraca. Fraca, meu bom Deus, Fraca! Onde? A única turnê do Van Halen na qual “Ain’t Talkin’ ‘Bout Love” não fez parte do repertório foi a turnê do disco “F.U.C.K.”, entre 1991/92. Favor não confundir com a turnê do “Live: Right here, Right now”, de 1993.

I'm The One, o título inicial desta música era “Show Your Love” e até hoje ainda essa associação confunde muitos fãs, como bem me lembrou o amigo Eduardo Pinheiro. Assim como grande parte das músicas do disco, o Eddie usou a sua famosa Frankenstrat na gravação dessa música, ainda ostentando as cores preta e branca, apenas. Aquela paradinha no meio da música na qual eles ficam meio que brincando e fazendo os “paptchuba” teve a inspiração em uma música do Cream, banda do Eric Clapton nos anos 60 (junto com Jack Bruce e Ginger Baker) e ídolo mor do Eddie Van Halen.

Jamie's Cryin', o disco já estava quase todo gravado e a banda acabou compondo “Jamie’s Cryin’” dentro do estúdio. Outra das poucas músicas que tiveram overdub de guitarra. O Eddie usa a Shark Ibanez Destroyer para gravar as bases e a sua Frankenstrat para os solos. Essa música é definida pelo Alex como uma de suas prediletas, assim como “Dance the Night Away” do disco “Van Halen 2”.

Atomic Punk, você já escutou “Atomic Punk”? De verdade? Tem certeza? Então, me diga o que falta nela que é característica básica das músicas do Van Halen? Se você respondeu “Backing Vocals”, acertou. Taí uma raridade de se ouvir: música do Van Halen SEM backing vocals. Aquele efeito no início da música é conseguido, com sorte, fazendo-se o seguinte: use um MXR Phase 90, esfregue a palma de sua mão para cima e para baixo nas cordas da guitarra, encostando essas cordas no captador da mesma guitarra. Na outra parada que a música dá, use um MXR Flanger. Algo semelhante o Eddie irá fazer mais tarde em “Everybody Wants Some”, do disco “Women & Children First”.

Feel Your Love Tonight, Música de sucesso do Van Halen ainda na época de Club Days. Solo simples e fantástico é o que o Eddie executou para essa música. Ao vivo, logo após o seu solo de guitarra, iniciava-se o solo de bateria do Alex Van Halen para a turnê do primeiro disco da banda.

Little Dreamer, se alguém lhe disser que o Dave era só farra no primeiro disco, desconfie. O Dave sabia escrever ótimas letras (para mim, TODAS as letras do Dave são excelentes) e dentro do primeiro disco, eu destacaria as letras de “Atomic Punk”, “Runnin’ With the Devil”, “Jamie’s Cryin’” e “Little Dreamer”. Bela, simples, coesa e perfeitamente moldada pela música que o Eddie criou para tal peça. Na Demo Tape que o Van Halen gravou para a Warner Bros. assim que fora contratado em Maio/1977, o Dave diz o seguinte no fim da música: “Are You Experienced”, em referência a música do Jimi Hendrix.

Ice Cream Man, música escrita por John Brin e Elmore James. Essa é a terceira e última música do primeiro disco da banda que contém overdub de guitarra. Seu solo sempre fora considerado bombástico por todos os presentes no momento da gravação. Aquela introdução acústica foi gravada pelo Diamond Dave, que a executava ao vivo também. Dizem as lendas que o Alex e o Eddie ficaram tão impressionados com a interpretação do Dave para “Ice Cream Man”, numa apresentação do grande frontman, que eles convidaram o mesmo para entrar no Van Halen. Ou seja, não é só aquela história do Dave entrar na banda porque tinha um sistema de PA para voz e que seria mais fácil tê-lo na banda por uma questão de comodidade. O negócio do Dave era/é competência e coerência!

On Fire, por incrível que isso possa parecer, “On Fire” foi a primeira música a ser gravada para o “VH 1”, vez que os shows da banda sempre eram iniciados, naqueles dias e na primeira turnê mundial da banda, com esse petardo. Outra música gravada com a bela e única Ibanez Explorer do Eddie. A versão que está no disco é um pouco diferente das versões anteriores conhecidas para essa música: a introdução não tinha aquelas 05 batidas e aquele som meio abafado que chama o riff principal aparecia em outra ordem. Foi um consenso dos membros da banda a existência desse pequeno “break” no qual apenas a guitarra aparece de forma abafada. Eis o Eddie falando a respeito dele: “We wanted a little break between verses and I said: ‘This is neat, how about this? It sounds rude’ “. Uma das versões dessa música, ainda nos Club Days, possuía os vocais sendo divididos entre o Dave e o Mike. Woo! Hoo!
O Dave era um visionário: um dia, ele conversava com o Eddie e disse que eles ficariam famosos e que as músicas do Van Halen tocariam nas rádios. É mais ou menos sobre esse assunto que o Dave cria a letra para “On Fire”. Leia:

“Turn Your Radios On
I’ll appear right there! Yes I will
Turn me up real loud
I’m in your ears

Now I’m hanging ten now, baby
As I ride your sonic, ooh-wave
(Owwwwwwwwwwwwwwww)

Good, God y’all
I’m on fire
I’m on fire
I’m on fire
I’m on fire… “

Curiosidades

Uma dúvida muito grande entre os fãs do Van Halen que apreciam os timbres de guitarra da banda é o porquê do Eddie não ter mantido o seu timbre (mais tarde batizado de Brown Sound) após a gravação do primeiro disco. Muitas são as especulações, mas basicamente o Eddie é/era um ser mutante que gostava de mexer no que ele fazia e procurar sempre ser diferente dos guitarristas contemporâneos e estar um passo à frente da concorrência. Para o primeiro disco, o Eddie teria usado basicamente 02 guitarras e 01 modelo de amplificador: Frankenstrat (corpo Northern Ash com pintura acrílica para bicicletas, braço Bird’s eye em maple, um velho captador P.A.F. montado diretamente no corpo da guitarra, remoldado por Seymour Duncan, um único botão de volume e cordas Fender XL-150 (090 – 040) fervidas cerca de 10 minutos – Corpo e braços confeccionados por Linn Ellsworth antes da associação desse com Wayne Charvel) e a Ibanez Destroyer (corpo teoricamente Korina Wood (madeira super rara) e braço Rosewood – cor original: branca). Existem teorias que discordam redundantemente de que o corpo seja da madeira Korina, pois a Ibanez só fabricaria o modelo Explorer com essa madeira entre 1972/1973; acredita-se que a guitarra do Eddie seja 1971/1972. Outra controvérsia medonha e que só o Eddie responderia, mas o que ele gosta é de criar confusão para ninguém conseguir copiá-lo: durante as gravações do primeiro disco, essa guitarra estaria AINDA inteira e sem os cortes e a pintura em vermelho e listras prateadas (maroonish-red with silver stripes) que a tornaram famosas e que se tornaram meu objeto de amor descontrolado. É que, cortando a parte de trás da guitarra, o Eddie acabou tirando muito da madeira que dava ressonância e que criara um timbre inigualável para as músicas do Van Halen 1 na quais o Eddie não utilizava um vibrato (alavanca de trêmolo). Amplificador usado: Marshall Super Lead 100 watts (número de série 12.301).

Led Zeppelin - CODA (1982)

2008-07-28T12:35:00.000-07:00

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No dia 19 de novembro de 1982 (Já após a morte de Bonham), o Led Zeppelin Lança um albúm com Músicas de sobra de estúdio, com músicas gravadas desde 1969 até 1978, e com algumas Inéditas.
O nome Coda, é algo relacionado a " Fim de algo ", " desfecho da história ", Coda siginifica "RABO".

We're Gonna Groove, Musica original de Ben E. King e James Bethea, foi gravada pelo Led em Londres em 25 de Janeiro de 69 e era para ser incluida no Led II, mas foi deixada por falta de espaço. O Led entao passou a usa-la na abertura dos shows durante 1970.
A versao original e a do Albert Hall foram mixadas com efeitos adicionados (incluindo overdubbing da guitarra), em 82 no estudio do Page.

Poor Tom, ela foi composta em 1970 por Plant e Page, quando foram ficar em Bron-Yr-Aur, numa pequena casa no país de Gales, e foi gravada no Olympic Studios em junho de 1970.
A música parece q foi inpirada em um labouer chamado "Tom Assasinatos", a canção deixou de ser incluida no Led Zeppelin III, "Poor Tom" é vista pelo fãs como mais uma música Alá Led Zeppelin, com uma guitarra semi-acústica e uma gaita a música se torna uma Obra prima.

I can't quit you baby, mais um cover do blues-man Willie Dixon, a música tem um diferença do primeiro cd, no primeiro Cd foi grava em estúdio, já pra esse albúm "CODA", foi gravada ao vio no Royal Albert Hall em 1970.

Walter's Walk, embora se pense que os vocais da canção "Walter's Walk" do Led Zeppelin tenham sido gravados em 1982 para o lançamento do álbum "Coda", na realidade esta faixa instrumental gravada em 1972 foi "overdubada" com vocais durante as sessões de gravação do "In Through The Out Door" no final de 1978, pois a idéia inicial era de editá-la neste LP.

Ozone Baby, uma musica criada por Page e Plant, Ozone Baby é um pop-rock bem estruturado, mas a diferença entre este e os outros é que a construçao foi toda feita em torno de uma guitarra forte e eficaz.
Ozone Baby foi gravada nos estúdios pertencentes a banda Abba, na Suécia, em 14 de novembro de 1978. A musica ia ser incluida no album In Through The Out Door, mas nao combinava com as demais musicas do album. Page achou que o verso ‘my own true love’ era meio batido, e ficaria um pouco fora do padrao do disco.
Em Ozone Baby, Plant conta a história de uma mulher que bate a sua porta, dizendo que havia guardado algo para ele. Mas ele diz que ja é tarde demais, nao quer que ela toque a campainha, pois está cansado das coisas que ela faz. O título é uma gíria para ‘mulher tapada’.

Darlene, foir gravada no polar estúdios em estocalno, suécia durante o In Through Out Door, nas sessões de 1978, Devido as limitações especiais a música não foi inclusa no In Trough Out Door, "Darlene" foi uma das três músicas gravadadas no polar estúdios, que foram omitidas do In Through The Out Door e mais tarde liberada para esse albúm "CODA", Sendo as outras duas "Ozone Baby" e "Waring e Tearing".

Bonzo's Montreux, uma música em que a estrela é Jonhom Bonham, outro grande solo de bateria, além de famosa Moby Dick.

Wearing And Tearing, é uma verdadeira musica de hard-rock, lançada depois da morte de Bonham, que demonstra a versatilidade da banda; alem de saber fazer musicas como Ozone Baby e All My Love, o Led ainda era capaz de lançar um rock perfeito, mesmo depois do fim de uma era. “Começou como um murmúrio que se transformou num estrondo” – foi o que Plant disse na época. Certamente, esta foi a musica que tirou os ‘cavalinhos da chuva’ das bandas Punk. A musica era para ser lançada na época do Knebworth e incluida no album In Through The Out Door, mas nao ficou pronta a tempo; Plant queria que ela fosse lançada com o nome de uma banda fictícia, para competir com os Sex Pistols e The Damned, bandas que faziam questao de anunciar ao mundo seu ódio pelo Led.
Com uma letra confusa e maluca, que fala ‘medicamentos – quem liga para medicamentos, se voce acabou com a cura’, Wearing And Tearing é original e ousada, e de fato tem um som que poderia ser confundido com o de uma banda nova e jovem. O trio da guitarra, bateria e baixo sao como rajadas, e a voz de Plant soa como um trovao; no fim - como que numa explosao - o som é interrompido, deixando apenas um suave vestígio de um eco.
Wearing And Tearing nunca foi tocada ao vivo pelo Led, mas foi tocada por Plant e Page no Knebworth 90.

Curiosidades

O Avião do Led- "starship" :
O Starship na verdade nunca pertenceu ao Led. O Boeing 720B teria sido “cedido” pelos donos, o vocalista Bobby Sherman e um produtor do grupo The Monkees, por 30.000 dólares por semana. Para os integrantes valia a pena. Apesar de ser um meio de transporte necessário devido as distancias que teriam que percorrer durante as turnes americanas, Grant, Page e Jonesy nao gostavam de voar, e Bonzo precisava de várias doses de whiskey ou vodka antes de embarcar num voo. Por isso, o Starship era ideal para o Led; seu interior nao poderia ser mais diferente que um aviao normal: com poltronas giratórias, mesas de jogos e um sofá de quase 10 metros em frente ao bar que, além de ter um vasto estoque das bebidas prediletas da banda, também alojava tv a cores, video, hi-fi e um orgao eletronico.
Além disso, no fundo do aviao havia 2 quartos, um deles sendo uma suite (com chuveiro), com uma cama de casal e cobertores de peles. O outro quarto tinha um sofá rebaixado e vários almofadoes. Bonzo costumava sentar-se no lugar do co-piloto durante os voos, e dizem que ele chegou até a pilotar o aviao.
O Starship tinha até suas próprias aeromoças, uma loura de 18 anos e uma morena de 22.
O aviao foi usado pelo Led durante as turnes americanas de 73 até 77, quando desenvolveu problemas no motor. Foi abandonado pelo Led, que por um tempo alugou outro aviao. O Starship ficou durante anos encalhado no aeroporto de Long Beach. Este é oficialmente o seu último paradeiro.

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Bonham, sóbrio, era um amor de pessoa, mas bêbado era apelidado de A Besta. Suas façanhas incluíram quase estuprar uma aeromoça do Starship: agarrou a moça, disse que ia comê-la por trás, arrancou-lhe a roupa e foi contido antes de consumar o ato. Arrumava brigas toda hora partindo para cima de quem quer que cismasse e os demais da banda às vezes escapavam para fazer alguma coisa sem avisá-lo, com medo de suas aprontações. Além do álcool, consumia-se cocaína e heroína em doses industriais. Nada disso, obviamente, está no filme. It's only rock'n'roll!!!!!

Led Zeppelin - In Trough The Out Door (1979)

2008-07-28T11:37:00.000-07:00

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Em 15 de agosto de 1979 é lançado o "último Albúm" dos Zeppelins de chumbo, na época em que o Led Zeppelin gravou este albúm, que acabou sendo o seu último trabalho de estúdio, o mundo do rock tinha passado por muitas transformações; o rock Punk e os Sex Pistols já tinham aparecido e uma revolução musical era iminente. Enquanto o Led estava em baixo astral, surgiram novas bandas com atitudes bem positivas: positivamente contra o tipo de musica que o Led fazia. Os novos musicos, constrangidos pelos gigantes do rock – Led Zeppelin, Pink Floyd, Yes, etc. – que já lotavam os estádios por mais de uma década, não escondiam o ódio que sentiam pelas super-bandas ricas e famosas. A banda The Clash, por exemplo, anunciou com orgulho que tinham ansia de vomito ao ver um disco do Led.
Mas na verdade a musica dos Pistols e Clash não era muito diferente do ‘Rock de Pub’, uma musica mais underground e alternativa que sempre existiu durante os anos 70. Foi assim que as grandes bandas começaram, tocando um rock diferente, usando engradados de cervejas como palco.
Com a musica Punk, simplesmente o que aconteceu é que as bandas jovens e inexperientes tinham uma nova chance de entrar no mundo do rock e possivelmente conseguir a fama e a riqueza que tanto “odiavam”.
Interessante como, ao conseguir grana suficiente, muitas destas novas bandas rapidamente se mandaram para os Estados Unidos, ao contrário dos integrantes do Led que permaneceram na Inglaterra.
No entanto, Page e Plant receberam bem este novo movimento; eles visitavam pubs e clubes de Punks e concordavam que já estava na hora do rock tomar um novo rumo, afinal rock tem tudo a ver com a juventude rebelde. Eles se sentiam solidários a esta causa: as ambições de uma geração jovem, frustrada, que queria fazer parte da festa e deixar o seu marco. Mas o Led não era muito chegado ao abuso verbal que fazia parte deste movimento, não tanto por parte dos musicos, mas principalmente dos novos críticos que também queriam liberdade para fazer parte deste círculo alternativo.
Durante esta época hostil e turbulenta, o Led sofreu mais nas mãos da indústria de musica, promotores e DJs; aqueles mesmos que deviam sua existencia ao sucesso dos super-grupos como o Led. Estes se uniram a grande revolução Punk para destruir a imagem e a reputação do Led. Contudo, uma grande parte do público permaneceu leal as suas bandas de rock favoritas, ignorando o novo movimento. Mesmo quando era praticamente uma vergonha alguém admitir que gostava do Led, os fãs continuaram comprando seus discos e seguindo a banda que tanto fez parte de suas vidas. Para maior frustração daqueles que tentavam popularizar a musica eletronica e Punk, o Led continuou a vender discos, tickets e ter seu lugar nas paradas de sucesso. Mais importante que isto, ainda chegavam uns novos musicos que produziam albums dedicados a esta banda que sempre estava um passo a frente das outras.
Recuperado do acidente que sofreu em 75, Plant estava otimista e o grupo voltou a ter o entusiasmo que tinha antes. Em 77 eles receberam o premio Ivor Novello pela contribuição a musica na Gra-Bretanha. Na décima primeira turnê Americana, bateram seu proprio record tocando para uma audiencia de 76 mil em Michigan.
Porém, em julho de 77, Plant recebeu a noticia que seu filho de 5 anos, Karac, havia falecido. Inconsolável, voltou para a Inglaterra e o resto da turnê americana foi cancelada. Logo começaram os boatos que a banda ia se separar. Um ano se passou, com Plant se recuperando do trauma silenciosamente, as vezes tocando para os amigos e audiencias pequenas e selecionadas. Aos poucos, a coragem de encarar o público voltou, mas Plant nao tinha mais aquele otimismo e a certeza que queria fazer parte daquele ‘circo’ que o mundo da musica tinha se tornado. Ele disse: “ …isso é só show-business, o importante mesmo é a musica que fazemos, e não o que se fala por aí”. Ele admitiu que durante a fase de luto, largou a identidade de cantor de rock, deixando o Led Zeppelin de lado completamente.
Mas em 78 os fãs estavam prontos para te-lo de volta. A mídia continuava especulando sobre o futuro da banda, com estórias exageradas dos excessos de sexo e drogas, geralmente publicadas nos Estados Unidos. Com baixo astral, mesmo assim o Led continuou com seus projetos. Page negava o fim da banda e dizia que se sentia ofendido pelos boatos que o azar da banda estava implicado ao seu karma e ao satanismo.
Led tinha planos para voltar a tocar ao vivo, e surgiram propostas de turnês na Europa. Mas no fim decidiram que iriam só tocar em shows na Inglaterra no verão, como Knebworth.
Em novembro de 78 o Led se reuniu em Londres para ensaios. O grupo tomou um novo rumo, pois não queria ficar dependente de seu passado. In Trough The Out Door foi gravado em tres semanas, em dezembro de 78, no estudio do grupo Abba na Suécia. Page estimulou a banda a experimentar com o som, e o resultado foi, como exemplos, o samba na musica Fool In The Rain e os vários tons do teclado na musica Carouselambra. Nesta época o Jonesy era o mais entusiasmado do grupo, e isto se nota nas musicas do disco. Page disse do album; “…os tempos mudaram, e nós acabamos criando uma coisa diferente. Gravamos o album no meio do inverno, no meio da Suécia. O estudio era muito bom, e os engenheiros altamente especializados. O ambiente era diferente, novo, e nos sentíamos praticamente prisioneiros no estudio. Não que tenha sido chato, mas o clima era outro.”
Page levou as fitas para sua casa na Inglaterra e trabalhou nelas em seu próprio estudio. Depois a banda, menos o Jonesy, voltou para a Suécia em fevereiro de 79 para completar a mixagem.

In The Evening, na guitarra e no teclado, Led construiu um som mais atualizado que muitas bandas de prog-rock da época, saindo da ‘viagem’ dos anos 70 e antecipando o tecno-rock dos anos 80 – graças a nova tecnologia que deu ao grupo uma dimensão na musica que só tinham conseguido antes quando gravavam seus sons nas escadarias de velhas mansões. Foram muito bem-sucedidos nesta nova estrutura musical, e até mesmo com este arranjo mais sofisticado não deixaram o velho blues de lado. O riff é possante e a musica, embora tenha um formato básico, tem aquelas viradas que só o Led mesmo sabia fazer. A música é praticamente de Jonesy, mas na introdução Page usa o velho arco de violino. Tambem foi utilizado o Gizmotron, inventado pelos musicos da banda 10cc, para criar uma distorção. Na letra Plant fala sobre uma vida com dor e tristeza, que nem mesmo o sucesso e dinheiro aliviam: - “…fico isolado lá em baixo…fico enjoado lá em cima”.

South Bound Saurez, Page muitas vezes insistiu em deixar seus erros nas gravações das músicas, e foi o que aconteceu nesta, apesar que a musica não deixa de ter seus otimos riffs de fundo. Mas há quem diga que as falhas dão um certo drama e sentimento na musica. E se houve falhas do Page, o mesmo não pode ser dito do Bonzo – e a musica pede uma bateria poderosa. A letra foi escrita por Plant e Jonesy, e o título foi publicado com um erro: era para ser ‘suarez’ (festa). e a letra é isso mesmo: musica, dança, doidice, alegria.

fool in the rain, Quem diria, ao escutar o Led Zeppelin III, por exemplo, que o Led um dia faria uma musica com um sambinha? O ritmo foi escolhido por Plant - que já havia pedido mais flexibilidade musical – e inspirado nas batucadas da torcida brasileira que ele escutou na tv durante os jogos da copa de 78. Os críticos como sempre esculhambavam com o Led e surgiu um papo que eles estavam querendo fazer um som do tipo do Carlos Santana. Por causa disto, o Led fez varias versões desta musica até escolher a que foi lançada. Ela fez muito sucesso nos Estados Unidos, mas infelizmente o fim estava próximo e a musica nunca foi tocada pelo Led ao vivo.
Na letra Plant conta que foi se encontrar com a sua amada numa esquina mas começou a chover e ela não apareceu. No fim da musica ele revela que estava esperando na esquina errada, dai o titulo ‘fool in the rain’ – o imbecil na chuva.

Hot Dog, Plant considera esta um tributo ao Texas, musica hillbilly e rockabilly. A musica teve inicio durante ensaios em Londres, e foi feita com a idéia de diversão, numa fantasia do tipo de briga de bar de western. Aqui Plant fala de uma menina que pega um onibus e desaparece: “…ela levou meu coração, levou minhas chaves…eu nunca mais volto ao Texas…” e o grito de “hot dog!” é dedicado aos roadies da turnê Americana do Led. Page disse na época que o grupo sentiu uma necessidade de fazer musica assim depois da fase baixo-astral que tiveram.

Carouselembra, Jonesy é sem dúvida o integrante principal nesta musica de 10 minutos, que foi arranjada durante os ensaios no Castelo de Clearwell, Escocia, em abril/maio de 78. Uma musica mais ambiental, é uma indicação do rumo que o Led tomaria nos anos 80 se Bonham não tivesse falecido. A musica foi esculhambada pela midia e críticos na época, mas hoje é considerada uma das ultimas clássicas do Led: A bateria do Bonham é sólida e perfeita, a double-neck de Page, com o uso do Gizmotron, é poderosa e o teclado de Jonesy assombroso. Plant canta com voz firme e emoção uma letra incompreensível que, depois afirmou, foi deixada aberta para especulação – o significado é místico e dirigido a uma pessoa que um dia vai descobrir seu valor.
“…escutei a palavra, nao pude continuar…nao podia aguentar mais um dia…comovido pela chegada oportuna, despertado do sono guardião, solto o aperto, largo a chave…agora preso a sabedoria, descanso na paz”.
Este é o novo Led, se criando perante os olhos dos fãs, que, de acordo com Page, tinham ficado ‘cegos’ devido ao excesso de familiarização com seus discos anteriores.

All my love, Nesta musica composta por Jonesy e escrita por Plant, uma balada pop inesperadamente revela uma letra poética e cheia de emoção. Quem imagina o que Plant sofreu percebe o significado das palavras nesta homenagem a seu filho Karac:
“Se eu ficar sem amor, e cair na luz, para seguir uma pluma ao vento…no brilho da luz que tece um manto encantado, que movimenta uma linha sem fim…Por muitas horas e dias, que passaram muito depressa…seu é o relógio, minha é a mão que semeia o tempo…dele é a força que repousa no interior…ele é a pluma ao vento”. Esta é uma das poucas musicas do Led que não tem Page como compositor, e nela ele toca com indiferença, como se estivesse fazendo um favor para uma outra banda. Da introdução e solo de sintetizador, até a mudança de tom no refrão final, é como se o Led tivesse voltado aos dias em que tocavam sessões com bandas pops dos anos 60. É também uma indicação do rumo que Plant tomaria nos anos seguintes. Mas não há duvida que sua voz estava mais madura, dependendo menos dos gritos e oh yeahs.
Apesar do som pop, a musica tem o seu valor lírico. Page depois comentou, numa crítica puramente profissional, que não era o tipo de som que o Led gostava de fazer. E os críticos e fãs do hard-rock também reclamaram que o Led não era mais o mesmo. Mas como tudo na vida, o Led estava passando por transformações; o mundo estava mudando; impossível, com tudo que passaram no decorrer dos anos, ficar estagnante e isto tudo não refletir na sua musica.

I'm Gonna Crawl, a ultima musica do ultimo disco do Led – e como se fosse um triste adeus para os fãs, é uma volta as raizes do blues. Composta por Jonesy, a intenção era recriar um ambiente das musicas classicas de soul-blues dos anos 60. A presença de Page é forte, com um solo sinistro que é excepcional. Page e Bonham consideram esta a melhor performance do Plant, e é difícil discordar: seu desempenho é impecável e a força de sua voz é comovente – uma musica digna de ser considerada o ‘swan song’ do Led Zeppelin.

Curiosidades

A idéia original da capa foi do manager Peter Grant. Foi um plano de marketing – é um fato já conhecido que Peter Grant era um homem de negócios bem esperto, sempre um passo a frente.
A idéia era de fazer 6 capas diferentes, cobertas com envelope pardo, a apenas um ‘carimbo’ do Led. A teoria era que os fãs tentariam comprar todas as versões, mas não poderiam ver qual versão que compravam pela capa.
O designer Thorgerson, da agencia Hipgnosis, foi contratado para desenvolver as capas e a idéia foi dele.. Ele sugeriu 6 fotos da mesma cena, tiradas de angulos diferentes.
A cena seria de um homem sentado num banco de bar, queimando uma carta de ‘Dear John’ (ou seja, levando fora da mulher). A agencia Hipgnosis, que já havia sido responsável pelas capas de Houses of the Holy e Presence, construiu uma réplica de um bar do tipo que se encontra em New Orleans.
As fotos foram tiradas da mesma cena, do ponto de vista das 6 pessoas no bar, exceto do homem desolado sentado no banco.

Partes dos créditos pra DENISE.

Led Zeppelin - The Song Remains The Same (1976)

2008-07-26T21:53:00.000-07:00

Disc 1
Disc 2
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The Song Remains the Same foi o registro ao vivo da banda no famoso Madison Square, Que por sua vez, vinha a virar um filme, produzido pela warner bros, A gravação ocorreu durante três noites consecutivas no Madison Square Garden em Nova York, no ano de 1973. O filme estreou nos cinemas em 1976 e foi lançado em VHS em 1990.

Set List:
Disc 01

01 - Rock And Roll 4:03
02 - Celebration Day 3:49
03 - The Song Remains The Same 6:00
04 - Rain Song 8:25
05 - Dazed And Confused 26:53

Disc 02

01 - No Quarter 12:30
02 - Stairway To Heaven 10:58
03 - Moby Dick 12:47
04 - Whole Lotta Love 14:25

Dvd

Rock and Roll
Black Dog
Since I've Been Loving You
No Quarter
The Song Remains the Same
The Rain Song
Dazed and Confused
Stairway To Heaven
Moby Dick
Heartbreaker (Takes)
Whole Lotta Love

Led Zeppelin - Presence (1976)

2008-07-26T21:07:00.000-07:00

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No dia 31 de março de 1976, é lançado um albúm totalmente Amadurecido dos Zeppelins de Chumbo, o trabalho desse disco é sensacional. Repare nos ritmos, nas quebradas de tempo, nos breaks, na linhagem de guitarra, Muito sentimento.o Led Zeppelin passava por problemas na época das gravações do “Presence” (e se você não sabe, procure uma biografia da banda urgentemente!). Talvez isso tenha resultado nas avaliações precipitadas sobre o álbum, até por este ser o trabalho menos variado da banda. Mas em uma discografia em que quase todos os álbuns são variados, já estava na hora de tentar fazer um som mais homogêneo, com uma identidade única. E essa identidade é o mais puro rock ‘n’ roll, quase totalmente elétrico, como a banda nunca havia experimentado antes!

Achilles Last Stand, Na verdade o título da musica nao se refere a historia de Aquiles, mas ao Plant, que quando escreveu a letra estava na cadeira de rodas devido ao acidente que havia sofrido. Ao escutar a musica pronta, ele ficou tao animado que acabou caindo da cadeira e machucou o tendao de aquiles.Plant escreveu a letra quando viajava pelo Marrocos, Grecia, Espanha e Egito. A inspiracao veio nao só das viagens como tambem dos versos do poeta ingles William Blake. "Albion remains/sleeping now to rise again" (Albion permanece/ dorme agora para levantar-se outra vez)é referencia direta ao poema 'A danca de Albion'."Albion rose from where he labour'd at the Mill with Slaves" (Albion levantou-se de onde trabalhava no moinho com escravos)"Giving himself for the Nations he danced the dance of Eternal Death" (se oferecendo para as nacoes, ele dancou a danca da morte eterna). Sobre a referencia as montanhas de Atlas, "The mighty arms of Atlas hold the heavens from the Earth," é uma metáfora - as montanhas de Atlas parecem estar segurando o céu, e ao mesmo tempo se refere ao titan Atlas e sua tarefa de carregar o mundo em suas costas.

For your life, Ela consegue ser super pesada, com as guitarras tocando em tons altos, ao invés de tons graves, o que é mais comum.
O vocal e a batera estão de foder, além do baixo, elegante como sempre.
O solo do Page é dos mais técnicos, onde ele muda totalmente sua tradicional ``pegada`` bluesy.
Jimmy Page usa Uma Fender Stratorcaster em 1962 para a primeira tomada dessa música.

Royal Orleans, É Royal Orleans era o hotel onde eles ficavam em New Orleans, mas a música é uma sacanagem com o John Paul Jones, que pegou uma "mulher-paraguaia": tava doidão e saiu com um travesti pensando que era uma mulher. Chegou no quarto do hotel, os 2 fumaram um baseado e acabaram pegando no sono.
Os únicos, além dos 4, que tocaram num disco do Led foram Sandy Denny (The Battle Of Evermore) e Ian Stewart (Boogie With Stu).

Nobody's Fault But Mine, Musica inspirada no blues de Blind Willie Johnson. Diz-se que a letra reflete o vício de heroina germinando no Page (Nobody’s fault but mine – a culpa nao é de ninguém, é minha / The devil he told me to roll – o diabo me mandou ‘rolar’).
Uma abertura fantástica (com tres guitarras sobrepostas), várias pausas provocantes e um excelente solo de Harmonica de Plant; a batera de Bonzo é reminiscente do estilo de Ginger Baker, da banda Cream, com viradas ágeis e vigorosas; a musica vai e vem e se desenvolve de uma maneira estimulante , prometendo um final estonteante. Page detona a guitarra num solo louco e psicodélico;
Com esta musica o Led volta aos dias de bluesmen selvagens, quando tocavam em clubes e pubs, em palcos feitos de engradados de cerveja, e eram pagos com bebidas. Plant gravou a musica na cadeira de rodas, devido ao acidente que havia sofrido na Grécia.

Candy Store Rock, Foi um Single desse albúm, O estilo de música simples, estilo rock 'n' roll anos 50, Robert Plant teve parte de inspiração do Elvis Presley, adicionado ao experimento de Page, com seu jeito único de pensar na guitarra.

Hots on for Nowhere, a estrutura básica dessa música foi feita nas sessions rehearsal do Physical Graffiti, Page usa uma Fender Stratocaster para gravar essa música.

Tea for one, Com esta musica o Led volta as suas raízes – o Blues. Resolutos e dedicados, os músicos conseguiram tocar um Blues com precisão e seriedade de uma maneira que poucas bandas conseguiram. E eu digo que foi com dedicação e determinação porque na época em que Presence foi gravado o Led tinha passado por uma serie de más experiências, e os integrantes encontravam-se sem animo para gravar o disco. Uma experiência traumática foi o sério acidente de carro que Plant havia sofrido na Grécia junto com sua esposa; de fato ele cantou as musicas sentado numa cadeira de rodas. A letra de Tea For One sem dúvida reflete o baixo astral do Led na época: é emotiva, sombria, ponderada e apreensiva. A letra foi inspirada na solidão de Plant, que durante a turnê Americana uns meses antes, encontrava-se sozinho em quartos de hotéis, tomando ‘chá para 1 pessoa”. A banda havia permanecido fora da Inglaterra por mais tempo desta vez, para evitar os impostos do governo britânico depois da turnê. Plant sentia-se sozinho, com saudades da esposa e dos filhos, e a letra fluiu na musica espontaneamente, como que num pranto, embora a banda tenha chegado aos estúdios na Alemanha sem material pronto para gravar.
Porém, o clima lânguido é pura ilusão: embora Plant cante com raro controle e moderação, e a musica pareça sóbria e restrita, ela é executada com paixão e definição.
A bateria de Bonzo soa com distinção e clareza, assim como o baixo de Jonesy. Page toca na guitarra as suas notas cheias de angustia e tormento, num solo magnífico.
Este é o verdadeiro blues do Led, aquele que exprime saudade e melancolia, e que é comparável somente com ‘Since I’ve Been Loving You’.
Eu acho que a explicação da música não ter sido muito tocada, também não sei se rolou ao vivo, está nessa resenha.
Fechando com chave de ouro, a única balada (blues) do álbum: “Tea For One“. Interessante como essa música cria um contraponto perfeito com “Achilles Last Stand“, por ter quase o mesmo tempo de duração e o mesmo esquema de poucas variações, mas por outro lado é uma balada lenta e melancólica, no maior estilo “Since I’ve Been Loving You” (do Led Zeppelin III). Uma ótima e criativa forma de fechar essa obra-prima escondida que é o “Presence“.

Curiosidades

Muita gente pensa que o objeto é associado a um outro objeto no filme ‘2010’.
Mas na verdade ele foi criado para a capa do Presence e representa o buraco negro no universo. O buraco negro simboliza o poder do Led, que está presente (daí o título do álbum) nas vidas dos fans. Isto é representado pelas fotos nostálgicas do dia-a-dia na escola, em casa, etc. em que sempre está presente o ‘objeto’.
Swan Song obteve os direitos autorais do ‘objeto’ em 1976.
The Song Remains The Same
Não há muita informação disponível sobre esta capa.
Uma capa simples, com gravuras do Madison Square Gardens e de um Ritz Hotel. O encarte, fotos mostram cenas do filme com o mesmo nome.

Led Zeppelin - Physical Graffiti (1975)

2008-07-24T17:25:00.000-07:00

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Em 24 de Fervereiro de 1975 é lançado o Physical Grafitti, Eis que dois anos depois Led zeppelin lança a escola mundial de Riffs de guitarra. O disco duplo é fantástico. Mais difícil de absorver, mas genial.Depois do album Houses of the Holy, o Led sofria com problemas internos: Jonesy pensava em deixar a banda, e apesar das tentativas de esconder o fato do público, a notícia chegou aos fãs, o que fez com que o boato do ‘fim do Led’ se espalhasse em várias ocasiões.
Boatos também surgiram especulando as razões de Jones largar a banda: as bagunças, as brigas, a saudade da família. Mas na verdade, Jonesy apenas imaginava uma nova direção na sua carreira, e pensava em trabalhar como Mestre do Coral da catedral de Winchester, na Inglaterra.
Por fim Jonesy desistiu da idéia, e voltou a ensaiar com a banda em abril de 74, a tempo de dar sua importante contribuição ao projeto PG.
Enquanto os fãs esperavam pelo novo trabalho do Led, grandes mudanças aconteciam no mundo do Rock.
Apesar do Led já ter garantido o seu lugar no pódio, para que não ficasse para tras era preciso que a banda lançasse uma som novo, diferente e que inspirasse a juventude da época. Os críticos na época diziam que o melhor do Led já havia acontecido - e ironicamente, “o melhor” do led havia provocado críticas impiedosas e até predatórias.
Porém, hoje é um fato reconhecido no mundo do rock que o melhor do Led veio com o PG. O disco é um best seller, e ao todo é um trabalho mais forte e mais ousado, exibindo a maior auto-confiança desde o início de carreira do Led.

Até mesmo a capa do album demonstrava um trabalho mais elaborado e ambicioso, e hoje é considerado um dos designs clássicos de “rock art”. Muitas gravuras mostram um humor irreverente, com imagens surreais contendo nudismo, anjos, zepelins, groupies e até os integrantes e o manager Peter Grant, fantasiados de mulheres.
Além de original e divertida, a capa do PG é estruturada, organisada.
O lugar da capa é 97 Saint Mark's Street em Nova Yorque. O edifício tem mais um andar, que foi cortado na foto.
A capa completa contém 64 janelas, cada uma com uma gravura.
O nome do album foi uma idéia de Page, baseada no grafite usado no design da capa, e na energia física investida pela banda neste projeto.
8 musicas do album foram gravadas em 74 na mansão Headley Grange, onde a banda utilizou o estúdio ambulante de Ronnie Lane (Small Faces, The Faces, Texas) ao invés do costumeiro trailer dos Rolling Stones. As musicas formavam um material com mais dos 40 minutos normamente necessários para completar um disco, porém isto nao era o suficiente para completar dois. Portanto, 7 musicas que haviam sobrado das gravações anteriores no Olympic Studios, dos tempos do Led III e Houses, completaram o album duplo.
As musicas Black Country Woman e The Rover foram gravadas na mesma época de D’Yer Mak’er. Bron-Yr-Aur era para ser incluida no Led III; Down By The Seaside, Boogie With Stu e Night Flight tinham sido gravadas para o 4o album.

Custard Pie, Gravada na mansao Headley Grange, na Inglaterra, lugar que oferecia as melhores condiçoes acusticas para o som que Page queria criar.
A musica foi inspirada no blues de Big Joe Williams, ‘Drop Down Mama’, que por sua vez foi inspirada em musicas de Blind Boy Fuller (‘I Want Some Of Your Pie’), e Brown McGhee (‘Custard Pie Blues’).
O título da musica se refere a comédia de pastelao.
Em Custard Pie o Led se mostra definido, pertinente e descaradamente tenaz; o riff é forte e intenso, a bateria é sólida. Page toca seu solo na guitarra atraves de um sintetizador ARP, enquanto a gaita de Plant soa suntuosamente; Jonesy fornece um riff de fundo esperto no clavinete. A voz de Plant é robusta e sagaz. Por incrível que pareça, Custard Pie nunca foi tocada nos shows das turnes do Led, porem tanto o Plant como o Page interpretaram a musica nos shows de suas carreiras solos.

The Rover, gíria em ingles para ‘vagabundo’ - fala sobre a vida de um sujeito que andava por Londres; a letra faz algumas referencias as drogas.
A musica começou como uma versão de Blues acústica, e a letra foi adicionada quando Page e Plant estavam em Bron-Yr-Aur no País de Gales. The Rover foi gravada pra o Houses of the Holy nos estúdios Stargroves (pertencente ao Mick Jagger), mas aquela versão era diferente, mais chegada a original. Como não foi usada no Houses, foi remixada para o Physical Graffiti, com o solo de guitarra adicionado em 1974.
The Rover pode ter começado como Blues, mas foi transformada em um verdadeiro hard-rock dos anos 70, totalmente diferente do estilo do Led em 1969.
Apesar de nunca ter sido tocada ao vivo, alguns bootlegs tem as versões tocadas nos ensaios.

In My Time Of Dying, A melodia foi inspirada na música com o mesmo nome de Bob Dylan, mas a letra foi tirada de ‘Jesus Make Up My Dying Bed’ de Blind Willie Johnson. A parte perto do final, na qual ele fala ‘Oh my Jesus’ não tinha sido escrita, foi improvisada por Plant. Segundo o Page, apesar de já ter sido tocada ao vivo antes da gravação, eles nem tinham certeza de que maneira seria o final da musica no estúdio. O Led gostava de fazer musica assim, como verdadeiros ‘bluesmen’. Porém, Plant passou a evitar a musica depois do acidente que sofreu em 75. Segundo Plant, a música era de ‘mau agouro’.
Na letra Plant pede a Jesus para encontrá-lo no céu com com um novo par de asas, se suas asas falharem. Na música ele também fala com Gabriel e São Pedro, e na verdade a letra é uma confissão, por um homem que não é perfeito (principalmente em relação as mulheres), que ao saber da morte iminente, pede perdão pelos seus pecados. Ao mesmo tempo, bem no estilo de Blues, ele diz “I never did no wrong’, ou seja, ele cometeu pecados, mas nao fez mal nenhum.

Houses Of The Holy, A música que deu o nome ao album anterior do Led, Houses Of The Holy foi deixada para o Physical Graffiti pois tinham dado preferencia a música The Song Remains The Same. Dizem os experts que se tivesse sido incluida no quinto album, teria recebido uma reação melhor da midia.
Uma música altamente improvisada, mas que funciona com uma batida clara e um riff de fácil assimilação.
O nome ‘house of the holy’ significa templo, igreja ou capela, mas neste caso – no plural – se refere a aura espiritual que era transmitida pelos fans nos shows do Led.
‘Houses’ foi gravada e mixada nos estúdios Olympic e Electric Lady em 1972. Pode-se escutar o ruído do pedal da bateria do Bonham nesta música, que infelizmente nunca foi tocada nos shows do Led.

Trampled Underfoot, Uma das músicas favoritas do Plant, Trampled Underfoot causou grande sensação quando foi tocada em Earls Court em 75, e de fato muito se falou sobre esta performance até mesmo anos depois.
A musica desenvolveu-se a partir de uma ‘jam session’ na qual os integrantes transformaram uma melodia relativamente comum num espetáculo com um ritmo possante de FunkRock.
A letra foi levemente baseada na musica Terraplane Blues de Robert Johnson (1936); assim como Johnson, Plant usou automóveis e coisas do genero como metáfora sexual.
Trampled Underfoot foi lançada nos EUA em maio de 75 e chegou na 38a posição nas paradas Billboard. A partir de 75 a musica tornou-se parte essencial dos shows do Led.

Kashmir, é a outra musica (do Led) favorita do Plant.
O título original era Driving to Kashmir; e a música comecou com um riff de Page que ele usava para afinar as guitarras há um tempo, e tinha usado em versões de 'White Summer', 'Black Mountain Side' e 'Swan Song'. Page disse que no comeco da musica estavam só ele e Bonzo, na mansão Headley Grange. Plant, Page e Jonesy atribuem o sucesso da musica a Bonzo.
Na letra, palavras de um viajante, descrevendo o que viu nas suas viagens pela região.
A letra foi praticamente toda escrita pelo Plant (que nunca tinha visitado a região de Kashmir) durante a viagem do LedZep ao Egito. Kashmir é uma das poucas músicas do Led em que usaram outros músicos (neste caso uma orquestra de instrumentos de corda, acompanhando a guitarra Dan Electro de Page, para criar um efeito de musica arabe/oriental), e foi tocada ao vivo pela primeira vez em janeiro de 75 na Holanda, e em todos os shows dali para frente.

In The Light, In The Light foi gravada na mansão Headley Grange e foi criada praticamente toda por JPJ. Nela ele usou o sintetizador VCS, mas nunca pode tocar a música nos shows pois a tecnologia na época não permitia que o som do estúdio fosse reproduzido ao vivo – era praticamente impossível repetir a mesma sintonia no sintetizador. A melodia foi baseada na musica ‘In The Morning’, que a princípio era instrumental. Quando a letra foi adicionada, o nome passou a ser ‘Take Me Home’ – mas embora Jonesy tenha usado a mesma musica, a letra de ‘In The Light’ é totalmente diferente.
O início da musica tem um som épico, dramático, e de fato a musica toda tem um clima heróico e encorajante, com uma letra inspirada na luz da sabedoria, na força e na esperança.
Nesta música Page usou o arco de violino.

BRON-YR-AUR, Originalmente gravada para o terceiro album em 1970, Bron-Yr-Aur foi um trabalho de Page é uma música instrumental e bem diferente de Bron-y-aur Stomp, inclusive no nome; Bron-y-aur é a maneira correta de escrever a expressão que significa ‘raios de sol’, enquanto que Bron-Yr-Aur é a maneira em que foi escrito o nome da casinha onde o Led se hospedou, e onde o Plant passava as férias na sua infancia. Mas segundo os ‘experts’, Bron-Yr-Aur nao deveria ter hifens porque é nome de lugar.
Foi a última música acústica gravada pelo Led e quase não foi tocada ao vivo. Contudo pode-se encontra-la em alguns bootlegs.
Bron-Yr-Aur é uma música criativa e jovial, tocada com seriedade e autenticidade; Page deixou os barulhinhos das cordas e algumas peculiaridades na música propositalmente, para que ficasse um som tipo ‘ao vivo’.

Down By The Seaside, Outro produto das sessões Bron-Yr-Aur de 1970. A música é uma homenagem ao Neil Young e uma de suas musicas, Down By The River. A intenção original era de ser acústica, porém durante as sessoes do 4o album a música foi gravada na versão elétrica. Após varios debates, a banda decidiu que o produto final era de baixo padrão, e foi excluida do album.
Durante uma das discussões sobre o material do PG, Plant sugeriu que a banda reavaliasse Down By The Seaside para possível inclusão no album. Inicialmente os outros integrantes riram da idéia, mas por fim aceitaram a música para inclusão com certas modificações, como o teclado elétrico de Jonesy para tornar o estilo da música um pouco mais ‘country rock’. Esta é mais uma música experimental do Led que nunca foi tocada ao vivo.

Ten Years Gone, Plant escreveu a letra inspirando-se no primeiro amor de sua vida; uma mulher que, dez anos antes, faria uma pergunta fatal para o relacionamento – fez Plant escolher entre ela ou a carreira. A carreira ganhou, lógico, assim como nós, os fãs.
A musica começou instrumental, e Plant depois adicionou sua letra. Dizem os experts que esta é a famosa ‘Swan Song’, uma musica instrumental gravada pelo Led na mesma época, mas que não foi usada no album.
Na musica Page usou 14 faixas de guitarra sobrepostas. Quando tocada ao vivo em 77, Jonesy usou uma guitarra de 3 braços com pedais de baixo. O instrumento foi feito especialmente para Jonesy pelo Andy Mason, que era especialista em guitarras.
Mas era um instrumento difícil de tocar, e no fim foi abandonado pela banda.
Ten Years Gone foi uma musica trabalhosa, feita de várias composições que Page havia feito anos antes. A banda precisou concentrar-se muito para toca-la, e depois dela sempre tocavam qualquer coisa mais descontraída; desta musica saiu a inspiração para ‘Custard Pie’ e ‘Trampled Underfoot’. Ainda em 77, o Led parou de tocar Ten Years Gone nos shows; porém eles ressucitaram a musica no knebworth em 79.

Night Flight, Com um ritmo rápido que é uma reminiscencia das musicas do estilo boogie, Night Flight exibe, nas suas paradinhas retóricas e meio pretenciosas, uma certa jovialidade típica de Mod Rock – como The Who. Porém, o som do órgão de Jonesy acrescenta um tom de Pub-Rock, mais modesto e humilde.
Uma musica praticamente de Jonesy, Night Flight foi gravada na mansão Headley Grange com o estúdio ambulante dos Rolling Stones, em 1971.
Uma outra versão da música tinha sido gravada com mais vocais de fundo. A música era para ser incluída no Led IV mas foi deixada de lado devido a falta de espaço.
Night Flight nunca foi tocada nos shows do Led, embora tenha sido tocada nos ensaios da turne Americana de 73.

The Wanton Song, Uma música sobre sexo – ‘wanton’ significa desibinida, maliciosa, imoral – que Plant interpreta com uma energia adequadamente empolgante. A música se desenvolveu a partir de uma ‘jam’ session durante os ensaios. No produto final Page usa o eco em retrocesso e sua guitarra com as caixas Leslie, gerando um efeito que geralmente era criado com o órgao Hammond.

Boogie With Stu, O ‘Stu’ da música era o Ian Stewart, manager dos Rolling Stones e pianista de Blues, que faleceu em 1985. Stewart era muito amigo da banda e era amante de Blues e Jazz. Ele realmente fez parte dos Rolling Stones, até que um dia o manager na época, Andy Oldham, resolveu que sua imagem não tinha nada a ver com os Stones. Forçado entao a trabalhar por tras dos bastidores, Stewart nunca perdia uma oportunidade de colocar em prática o seu talento musical.
No caso de Boogie With Stu, a musica foi gravada em 1971 quando o Led usava o estúdio dos Stones em Headley Grange. Stewart apareceu na mansão um dia, e sentou-se ao velho piano no salão principal. O piano estava muito desafinado, e Stewart começou a tocar umas notas para afinar. Enquanto isso, Page o acompanhava com o mandolin e a gravação foi feita deste improviso. Plant tocava violão e cantava a letra improvisada, baseada na música 'Ooh My Head' do Richie Valens (que por sua vez baseou sua música na 'Ooh My Soul' do Little Richard). Bonzo foi acompanhando o canto de Plant. Alguns truques de estúdio foram usados para criar o produto final, mas o resultado é simplesmente perfeito: imagina-se Stewart tocando num Pub com as devidas garrafas de cerveja vazias em cima do piano. Este foi o efeito desejado, e as gargalhadas foram deixadas no final da faixa propositalmente para que a música soasse com autenticidade.

Black Country Woman, Apesar de ter sido incluida no album Physical Graffiti, Black Country Woman foi gravada na mesma época que D'yer Mak'er e The Rover, originalmente para o album Houses Of The Holy. O título original era Black
Country Woman (Never Ending Doubting Woman Blues), uma referencia ao ultimo verso da música, que foi apagado na versão do vinil.
A região do `Black Country' fica perto de Birmingham, na Inglaterra, onde Plant morava. Tem este nome por causa da indústria de carvão e minérios na região.
Esta peça acústica foi gravada no jardim da mansão Stargroves, do Mick Jagger. No começo da gravação ouve-se um avião passando, e uma conversa entre o engenheiro de som Eddie Kramer e Robert Plant. Em Black Country Woman Jonesy toca o contra-baixo.

Sick Again, Música inspirada nas ‘groupies’ que seguiam o Led pra cima e pra baixo, competindo por atenção. Plant, apesar de ser casado na época, não escondia o fato que as groupies, algumas bem jovens, ofereciam ‘favores’ aos músicos – favores estes que muitas vezes foram aceitos.
É a unica musica do Led que chega perto de ‘glam rock’, meio estilo TRex, meio funky. Infelizmente o vocal do Plant está enrolado na mixagem, encoberto pela guitarra ‘maliciosa’ do Page.
A música foi tocada ao vivo frequentemente nas turnes de 75 e 77. Em um dos shows, os quatro se vestiram de mulheres (um deboche bem do estilo do Mark Bolan do Trex, coisa de Glam Rock).
No fim da música ouve-se uma tosse, que é do Bonham.

Curiosidades

O edifício na capa fica na 97 Saint Mark's Street em Nova Yorque. O edifício tem mais um andar, que foi cortado na foto para a capa.
A capa completa contém 64 janelas, cada uma com uma foto. Muitas figuras mostram o humor irreverente dos integrantes, como por exemplo, uma foto em que estão fantasiados como mulheres.
Mike Doud, Peter Corriston foram os designers que tiveram a idéia original;
Elliot Erwitt, B.P. Fallen - fotografia;
Maurice Tate foi o cara responsável pelo acabamento, que 'tingiu' a foto
Dave Heffernan - ilustrações nas janelas.

Led Zeppelin - Houses Of The Holy (1973)

2008-07-24T14:51:00.000-07:00

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Músicas

The song remains the same,The Song Remains The Same é totalmente diferente de tudo que o Led tinha feito antes; parece que a gravaçao foi feita em 45rpm, e na verdade a voz de Plant foi ‘acelerada’ para criar em efeito de ‘Helio’. A abertura da musica tem ares de Rock Opera. A musica original era instrumental, e foi apresentada em shows com os nomes de ‘The Overture’, ‘The Campaign’ e ‘Zep’.

The Rain Song, romantica e parcialmente acústica, onde Page usou sua Dan Electro e Jonesy usou o Mellotron para criar um som de fundo tipo orquestra. The Rain Song fala das 'estaçoes do amor'; uma musica totalmente romantica e dedicada ao amor, em que Plant, provavelmente oferecendo a musica a sua esposa, diz 'voce é a primavera do meu amor', 'a luz do sol que me faz crescer', 'fale comigo apenas com os olhos, pois é para ti que ofereço esta cançao'.A musica foi criada devido a uma sugestao do Beatle George Harrison, que era fan do Led, e havia dito “…o unico problema (do Led Zeppelin) é que eles nao fazem baladas romanticas”.Esta é uma das musicas onde se ouve claramente os barulhinhos do pedal do Bonzo.

Over The Hills, Uma musica curiosa; com seus arrancos bruscos e ritmo agitado, Over The Hills And Far Away é um grande trabalho de guitarra folk, e tem uma força que é engrenada pelo trabalho de bateria de Bonzo (aliás esta é outra musica em que pode-se escutar o pedal da bateria). A trilha instrumental, desenvolvida a partir da musica ‘White Summer’ dos Yardbirds, foi produzida primeiro e depois Plant escreveu a letra adequada para o ritmo; ele considerou este um trabalho difícil devido a melodia complexa, porém foi uma grande chance para o cantor criar algo relacionado a mitologia celta, sua grande paixao.O título provavelmente veio de uma musica folk inglesa com o mesmo nome, do século XVIII.O conteúdo lírico é bem eclético; além de mitologia celta, fala sobre o divertimento associado a ‘estrada aberta’ e ‘acapulco gold' (maconha) e também inclui referencias a Tolkien; Plant escreveu a letra em Bron-Yr-Aur, o casebre no País de Gales, em 1970.Em 1972 Led tocou a musica ao vivo durante a turne dos EUA.Over The Hills foi lançada como single nos EUA em maio de 73, mas nao entrou nas paradas das 50 mais tocadas.Jimmy Page também tocou a musica na sua turne Outrider em 88.

The Crunge, uma musica acidental, e uma 'jam session'; Começou com Bonham batendo um ritmo funk um dia nos estudios de Stargroves. Logo Jones adiciona seu baixo e Page comeca a improvisar. Plant adiciona o vocal num estilo que é mistura de blues com James Brown. O nome 'Crunge' é um tipo de musica para qual nao há dança. No fim da musica ouve-se Plant perguntar 'Have you seen the bridge?' e depois 'Where's that confounded bridge?' - isto é uma referencia a um riff do James Brown que os inspirou, quando este diz a sua banda 'Take it to the bridge'.

Dancin Days, Plant havia viajado para Bombaim na India, e lá ouviu umas musicas diferentes. Dancing Days foi inspirada nestes ritmos e também em outros sons indianos que escutava no bairro da cidade de Birmingham onde morava com sua namorada (e futura esposa, que era filha de indianos).Dancing Days consegue unir o rock com ritmos místicos orientais. A voz de Plant é calma, controlada, quase hipnótica.A musica foi gravada no Stargroves Studio e mixada no Electric Lady em New York. Foi a primeira musica do album selecionada para as rádios, e já tinha sido tocada ao vivo, bem antes de ser gravada.Nela, pode-se ouvir de novo os famosos barulhinhos do pedal de Bonham.

D’yer Mak’er, O título tem a mesma pronuncia de ‘Jamaica’ (em ingles), daí o ritmo reggae. Isto vem de uma velha piada inglesa, e um trocadilho muito usado por londrinos. Literalmente D’yer Mak’er significa ‘Did you make her’. Plant sempre gostou de ritmos internacionais, e esta foi uma musica experimental. Nao foi feita para ser levada a sério, o que muitos críticos fizeram. A musica nunca foi tocada ao vivo pelo Led, talvez porque um Reggae seria um pouco fora do padrao de show de rock.

No Quarter, Jonesy compos, arranjou e comandou esta, com um teclado sinistro que cai muito bem com o vocal de Plant e com a letra baseada nos contos de Tolkien. Uma musica com ares de jazz-rock e pausas enigmáticas. A original foi criada em Headley Grange e era mais rápida. “No Quarter” no ingles colloquial antigo significa “sem piedade”.

The Ocean, O ‘oceano’ a que se refere, sao os fans vistos do palco. Comeca com a voz de Bonham fazendo a contagem, musica meio swing/jazz/rock, com um solo funky de Page. Geralmente dedicada a plateia durante os shows do Led, o verso sobre a menina de 3 anos se refere a Carmen, filha de Plant. No final da musica, uma raridade: John Paul Jones e John Bonham cantam o "Doo wop".

Albúm

Em 28 de março de 1973 é lançado o albúm mais eclético do Led Zeppelin,Foi o primeiro album do Led com um título completo, mas a musica que deu o título ao disco foi deixada para Physical Graffiti – a banda preferiu incluir The Song Remains The Same neste album. A mansao Headley Grange nao estava disponível na época, entao usaram Stargroves, a mansao de Mick Jagger, onde havia um estúdio ambulante. O album nao foi totalmente produzido lá, pois Page e Plant já haviam trabalhado com algumas musicas (The Rain Song, Over The Hills e No Quarter) nos seus próprios estúdios. A mixagem foi feita nos estúdios Electric Lady, New York.Certamente por isso o album nao possui o impacto sonoro do LedIV, que haviam conseguido devido as gravaçoes nas escadarias de Headley Grange. Percebe-se que a criatividade de Page continua crescendo e neste disco tem uma das músicas mais bem trabalhadas do led zeppelin, The Rain song, faixa avassaladora e belíssima com direito a afinações "exóticas" de jimmy page.

Curiosidades

A capa do Houses of the Holy foi inspirada no livro de ficçao científica de 1965 'Childhood's End'(O Fim da Infância), do escritor Ingles Arthur C. Clarke; no livro, a história termina com as crianças correndo para o "fim do mundo". Ao contrario do que muitos pensam, as crianças da capa NAO sao os filhos do Plant. Inclusive na epoca que a foto foi tirada o filho do Plant, Karac, era recem-nascido, e a sua filha Carmen era bem mais nova que a menina na foto.A menina da foto era nos anos 80 uma modelo topless e cantora famosa na Inglaterra, Samantha Fox.A foto foi tirada no Giants Causeway, Irlanda, e a original era preto e branco, e depois foi colorida no estudio.

"Led Zeppelin IV" (1971)

2008-07-23T19:51:00.000-07:00

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No dia 8 de novembro de 1971 é lançado um dos maiores albúns do Rock and Roll,Depois das diversas reações que seu 3º álbum tinha gerado, o Led Zeppelin caiu dentro do álbum seguinte, apesar do exacerbado atraso devido a horrendos problemas técnicos com a mixagem. Na época, eles consideraram lançar um álbum duplo, e depois brincaram com a idéia de lançar o material em 4 EPs. Uma vez que eles tinham revertido o conceito para um LP padrão, buscaram outras formas de tornar o próximo álbum distinguível e tiveram a idéia de não dar um título, mas apresentar o álbum sob um banner com 4 símbolos, cada um representando um membro da banda....
então houve uma prolongada luta com a Atlantic com a insistência da banda de que o nome deles e nem o do selo aparecessem na capa. 'Eu me lembro de ficar por 2 horas no escritóirio da Atlantic com um advogado que dizia 'você devia colocar isso', Page relembra, 'Foi um trabalho difícil, mas felizmente estávamos numa posição em que podíamos dizer 'É o que queremos', pois nos ativemos ao status que, de qualquer forma, o álbum venderia muito...
"...Eles venceram a batalha dizendo à gravadora que não dariam as masters tapes até que o álbum tivesse a capa certa..."
(The Rough Guide To Led Zeppelin)
Quem dizia que o disco seria um fracasso eram os executivos da gravadora, que achavam que era suicídio profissional lançar um disco sem título e sem o nome da banda.
Só que esse disco tinha Stairway To Heaven e Black Dog... e uma puta autoconfiança da banda.
O quarto disco do Led Zeppelin, comumente chamado de Led Zeppelin IV (e que optamos usar aqui), oficialmente não tem título. Na época de seu lançamento passou a ser chamado pela imprensa especializada como “Untitled” (Sem Título) e é até hoje catalogado com este nome. Mas extra-oficialmente, muita gente passou a identificá-lo como “O Disco do Eremita”, uma referência ao personagem da capa e ainda “Os Quatros Símbolos”, uma alusão aos símbolos impressos pela primeira vez em um disco da banda, cuja função é representar os quatros integrantes do conjunto. Outro nome que o disco pode ser encontrado é Zoso, um dos quatro símbolos, o único que mais se assemelha a uma palavra.
Pela história fonográfica da banda, desde o início o grupo sempre agradou uma grande quantidade de jovens adolescentes ao mesmo tempo em que desagradava a grande maioria da crítica e dos jovens adultos. Seu segundo e terceiro disco venderam relativamente pouco e havia uma expectativa externa de que a banda pudesse acabar. Ao lançar este álbum, tudo isto mudou e até os mais severos críticos passaram a elogiá-los. Canções como "Black Dog" e "Rock And Roll" exemplificam o tradicional rock pesado da banda enquanto "Going To California" e "Battle of Evermore" mostram uma leveza já evidente no disco Led Zeppelin III, porém com letras melhor acabadas. "When The Levee Breaks" inicialmente creditada ao quarteto Bonham/Jones/Page/Plant, teve que, após processo, passar a render crédito a Memphis Minnie Douglas. Ainda temos o que pode ser considerado como o hino da década , "Stairway To Heaven", que representa para a década de setenta o que "Satisfaction" foi na década de sessenta. Um álbum completo e um dos momentos mais marcantes desta banda.

Black Dog, o que dizer de uma música dessas ? Com um Riff ( Criado por JPJ ) Que faz, até um Surdo Ouvir (milagre?), Black Dog Mais um Hino do rock'n Roll, (o nome dessa música foi dado, por causa de um Labrador preto que entrava constantemente no estúdio, Enterropendo as sessões)

Rock and Roll, A batida de Rock and Roll nasceu de uma cisma do Bonham com a batida de Keep a-Knocking do Little Richard.

Pra descontrair, nos ensaios, ele levava essa batida.
Acabou virando música.A musica começou como um ‘jam’, com a fita rolando enquanto o Led improvisava, brincando com a musica ‘Keep a Knockin' do Little Richard. A bateria na abertura, vigorosa e resoluta, sem dúvida foi inspirada nela.
Rock and Roll foi uma reação aos críticos, que acusaram o Led de nao ter tocado musicas de Rock no Led III.

The Battle of Evermore, Uma música mística, aonde Sandy fazia segunda voz, em 1977 JPJ fez backing vocal ao vivo, inspirada no que o Plant era Super Fã (senhor dos anéis),Battle of Evermore foi inspirada na mitologia celta, batalhas escocesas e nas lendas do Rei Artur, com algumas frases relacionadas ao Retorno do Rei de Tolkien...e apesar de acreditarem que teve influencia do satanista Alesteir Crowley, na verdade nao há evidencia disto. Quem escreveu a letra foi o Plant, e quem lia os trabalhos de Crowley era o Page.
A melodia foi criada por Page enquanto brincava com o mandolin de Jonesy, no casarao de Headley Grange, enquanto os outros dormiam. Plant estava lendo um livro sobre batalhas da Escocia e descreveu Battle of Evermore como "mais teatro do que musica. depois que a escrevi, achei que precisava de outra voz bem diferente para dar mais impacto." Chamou a cantora Sandy Denny do grupo folclorico ingles 'Fairport Convention', muito admirado pelo Led Zep. A ideia era que ela faria o papel do 'town crier', gritando para que o publico largasse as armas. Sandy Denny disse depois que ficou exausta depois de gravar a musica. Led zeppelin entao deu um simbolo só para ela no album (tres piramides).
Algumas referencias:
Principe da Paz= Deus Celta. Mas pensando bem pode-se interpretar como Frodo ou Aragorn.
Rainha da Luz= Deusa Celta, ou talvez Galadrial.
Senhor das Trevas= a unica referencia que tem alguma coisa a ver, talvez vagamente, com Crowley.
"Eu ouço a tempestade dos cavalos em baixo do vale dos sopros
Eu estou esperando pelos anjos de Avalon, esperando pelo brilhar do leste": Avalon é o centro espiritual celta. na tradicao, o leste representa o céu e o oeste representa o inferno (isto tem mais a ver com lendas do rei Artur).
Avalon, no Celta antigo, traduz como "ilha das maçãs". E como Avalon se situa no Oeste, era considerada pelos missionarios cristaos um inferno pagao.

Stairway to Heaven, Simplesmente a música que foi mais executada em FM's, Stairway tocou por 24 Hrs na Rádio Da BBC, Mrs. Jimmy Page usou 18 Guitarras para a Gravação do solo, (considerado o solo mais bonito do rock'n roll), Pra entender Stairway você tem q entender primeiro sobre cultura Celta, A música fala sobre Esperança.A musica fala, a princípio, sobre uma mulher que tem muito dinheiro mas descobre mesmo assim nao e feliz e nao entrará no céu. Como a letra é uma viagem e usa muita metáfora,há quem diga que a musica tem significados ocultos, misticos e com mensagens escondidas. Outros dizem que é uma metáfora ao uso de drogas. Isso tudo foi negado pelo Plant, que disse que este nao era seu estilo, mas admitiu que quando escreveu a musica estavam todos dopados com maconha marroquina. Ele confessou que parecia que sua mao estava sendo guiada por algum espírito. Page adorou esta explicacao, e gostou tanto da letra que a partir dai o Plant passou a escrever todas as letras do Zep.
Plant disse da musica: “ Ela foi escrita com as melhores intençoes, e esta coisa de mensagens ao inverso e ocultas, nao é a minha maneira de fazer musica. É muito triste isto. A primeira vez que soube disso foi num noticiário da tv, e fiquei chocado, me senti desmoralizado. Nao acredito que tem gente que seriamente acredita numa coisa absurda como esta. Tem muita gente querendo fazer dinheiro por aí, e se é assim que querem, que o façam sem usar minhas musicas. Elas sao muito preciosas para mim”.
Stairway foi criada na mansao Headley Grange, Inglaterra, um lugar abandonado, isolado, escuro e sem eletricidade, mas com um grande potencial acustico. Diante do fogo na lareira, Page tocou as primeiras notas no violao e a musica se desenvolveu, com Plant escrevendo a maior parte da letra ali mesmo.
Como Plant se interessava por lendas celtas, Vikings e estórias de Tolkien, a letra pode ser interpretada de varias maneiras, mas tem uma semelhança maior com o conto do Flautista de Hamelin.
O solo de Page no estúdio nao foi um só, mas uma coletania de solos que foram ‘colados’. Page depois ‘aprendeu’ o solo para os shows ao vivo, com a sua double-neck.
Jonesy preferiu nao usar o baixo na introduçao e tocou flautas e sintetizador.
Page considera esta a obra-prima do Led, mas Plant, que uma vez se referiu a musica como ‘marcha de casamento', prefere Kashmir.

Misty Mountain Hop, Musica inspirada numa sessao de amor-livre que aconteceu numa comunidade hippie em Londres e terminou com blitz da policia. O título da musica veio do ‘Hobbit’ de Tolkien, mas na verdade a letra é baseada na cultura hippie, drogas, amor-livre.

Four Sticks, O nome foi escolhido porque Bonham usou duas baquetas em cada mao.
A musica teve suas origens numa das viagens a India, por Page e Plant.
A voz de Plant é altamente processada nesta musica, para parecer eletronica.
Uma musica meio hipnótica, segundo o Page, “…era pra ser um lance abstrato – na verdade começou com apenas 2 baquetas, mas a musica nao estava saindo legal. Ai Bonham tomou uma cerveja ‘Double Diamond’ e pegou mais 1 par de baquetas. Parecia algo mágico, a coisa foi feita de uma vez só, talvez porque sabíamos que o Bonzo nao ia aguentar tocar outra vez…”.
Four Sticks foi uma musica dificil para a mixagem por causa da compressao na bateria, e depois de 5 ou 6 tentativas, foi escolhida a melhor versao.
Só foi tocada ao vivo uma vez, durante a turnê da Dinamarca em 1970.

Going to California, A inspiraçao da musica veio da cantora Joni Mitchell. Page e Plant eram fans de Joni e quando podiam iam aos seus shows. Em meados dos anos 70, eles puderam conhece-la pessoalmente e para o Plant, foi um dos melhores momentos de sua vida.
O título original da musica era ‘A Guide To California’, inspirado na musica de Joni chamada ‘California’. A musica em si tem uma letra inspirada em terremotos, mas nela Plant canta mais sobre sua busca por uma linda mulher.
A musica começou como uma ‘jam session’ na mansao Headley Grange, cujo ambiente silencioso e sombrio inspirava os musicos a pegar seus violoes e improvisar. Neste caso Page e Jonesy tocavam os mandolins e Plant improvisava com a letra. Page e Peter Grant foram de aviao para a California para fazer a mixagem nos estudios de Sunset Ground. No momento em que o aviao pousava, houve um terremoto em San Diego.
Going to California era uma das favoritas do público nos shows, e foi tocada em varias turnes, como por exemplo nas turnes da Inglaterra 71, USA 72, Earls Court e USA 77.

When The Levee Breaks, Riff criado por Page, e letra de Plant baseada na musica de Memphis Minnie de 1928 - embora radicalmente diferente. A atordoante bateria do Bonzo é o eixo desta musica intensa, possante, e como disse o Thiago, assustadora!

O poderoso som da batera foi criado com dois microfones pendurados a uma certa distancia da bateria, nas escadarias da mansao Headley Grange, o que gerava um grande potencial acustico.
Page mais uma vez usou aqui a sua tecnica do eco invertido, ou seja, o eco soa antes mesmo do som – neste caso o som da gaita.
Page também usou a tecnica do ‘riff ao contrário’ ( reverse riff - deve haver um nome para isto em portugues, mas ainda nao descobri); no final da musica o riff é tocado de tras para frente.
O impacto desta musica deve-se ao fato de ter sido gravada em velocidade normal, e depois a velocidade foi reduzida – menos a voz do Plant. Porem isto fez com que a musica fosse dificil de ser reproduzida ao vivo; ela foi tocada apenas duas vezes em 1975.
O tema de When The Levee Breaks (‘quando a barragem arrebentar’) é relacionado aos ex-escravos da regiao do Mississippi Delta (de onde veio o blues que tanto inspirou o Led), que construiram casebres perto de represas. A regiao sempre sofria com enchentes, e muitos dos habitantes mudavam-se para outros lugares, como por exemplo Chicago, quando as barragens arrebentavam.
Disse o Page sobre a musica: “eu fiz o riff e Plant cantou a letra inspirada na versao original de Memphis Minnie – entao nós demos os créditos a ela. Mas se voce escutar sua versao, nao vai reconhecer. Eu queria criar um som apavorante, no qual cada verso traria uma experiencia diferente. A sincronia da voz do Plant muda levemente com cada verso. O som da gaita foi reproduzido com eco invertido, e no final da musica o som se torna um redemoinho mas a voz permanence constante; é melhor escutar com headfone. Foi uma mixagem difícil”.

Curiosidades

A foto na capa é de um bairro da cidade de Birmingham, Inglaterra (onde Plant cresceu), e o quadro do velhinho não significa nada: Plant havia comprado o quadro num mercadinho de pulgas e achou legal colocar ali.

O desenho do eremita foi feito por Barrington Colby, um amigo de Page. O eremita foi inspirado na carta IX do tarô. No desenho, ele está olhando para o seu passado, consciente de que ainda tem o que aprender. A figura representa prudência, paciência e sabedoria. Segundo Page, a idéia era de representar a elevação do ser à luz da sabedoria através da inspiração e força de vontade.

Led Zeppelin III (1970)

2008-07-22T22:03:00.000-07:00

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Em 05 de Outubro de 1970 é lançado o Terceiro albúm do led zeppelin, no qual mudaria a história da banda, agora um albúm mais suave, com músicas acústicas, soando de um jeito diferente, nesse exato momento muita gente parou de por rótulos na banda de "Heavy Metal" ou "Hard Rock", Pois todo mundo estava finalmente percebendo que Led Zeppelin não poderia se prender a Rótulos, Pois led Zeppelin era MÙSICA de verdade.
Para a gravação do seu terceiro álbum, Led Zeppelin III, a banda retirou-se para "Bron-Yr-Aur", uma casa remota no País de Gales, sem electricidade. Isto resultou num som mais acústico (fortemente influenciado pela música celta e a música folk, e que revelou uma face diferente do talento prodigioso de Jimmy Page. Em Novembro de 1970 a "Atlantic Records" editou "Immigrant song" em single, sem a autorização da banda e contra a sua vontade).

Immigrant Song, mostra os vocais maravilhosos do Plant, com agudos potentes e ótima interpretação e linha de vocal. Guitarra simples,criativa e objetiva. Canção objetiva, hino do hard rock também, e letra totalmente Cosmica, Mostra o quanto Led Zeppelin é uma banda mística e de magia, Sem contar a pegada, totalmente influenciadora do heavy metal.(uma das raras músicas liberadas para filmes)

Friends , uma música totalmennte Cosmica, mostra o trabalho bruxo de Page, ao pesquisar outras afinações... tensa e magnífica.

Celebration Day, uma múscia de alto astral, com trabalho de guitarra e solo sensacional. Hino do hard rock. Dispensa comentários.

Since i've been loving you, Emocionante ao extremo, um blues branco, considerado um dos melhores blues da história, por qualquer Blueseiro que vc pergutar. Costumo dizer que os caras pegaram pesado com essa música... Triste, com agonia, desabafo total. Difícil alguém não se emocionar ouvindo ela. Vocais e guitarras endiabrados... perfeitos, pode-se dizer. chega a ser assustador o quanto de feeling uma só música tem. Maravilhoso. Nosso mestre Bonham Toca sua bateria numa situleza de fazer se emocionar.

Out on the Tiles Já começa com um Riif assustador, Page usava a introdução dessa música para a introdução de Black Dog.Uma música que passa um sensação de peso que JPJ faz tremer o Chão e Bonham Faz um ótimo trabalho como sempre, Plant Passa o seu Feeling de uma maneira majestosa.

Gallows Pole, uma canção traditional folk, com pegada led. òtima, com outros instrumentos, como Bandolim. Plant passa uma sensação de Suspense e medo.

Tangerine. Linda balada simples e obetiva, com violão de 12 cordas, acrescentando um tempero especial, Jutando essa balada mais The Rain Song, Torna-se algo, Cosmico/sobrenatural.

That's the Way, ainda com o violão de 12, e vocais belos de plant, uma linda balada folk, mostra o potencial que os caras tinham com canções acústicas. aonde leva o ouvinte a uma alegria estrema.

Bron-yr-aur stomp, um country-folk ótimo, com pegada zeppeliana e variações rítmicas típicas da banda, um dos seus diferenciais.

Hats off to (Roy) Harper um folk-blues em homenagem ao cantor folk Roy Harper. Este disco é ótimo de se ouvir, e´como um todo pode ser considerado até perfeito.

Curiosidades

Com imagens hippies e psicodélicas e um disco giratório que revela figuras malucas pelos buracos, a capa fugia a norma dos outros dois álbuns do Led.
As imagens na capa eram de uma arte surreal, com figuras aparentemente escolhidas ao acaso, num tema relacionado a aviação, particularmente ao zepelim.
A capa foi feita pelo designer Richard Drew, conhecido como Zacron.. Page havia dado uma idéia ao designer, mas o resultado não foi bem o que esperava. Nas palavras de Page: “Zacron criou uma arte muito pessoal, e o resultado foi muito Pop e bobo, não gostei nem um pouco”.